martes, 17 de abril de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº C)

Fecha estelar: -304708.5
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Películas reseñadas:

- Lucky (2017)
- Aniquilación (2018)
- Coco (2017)


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Lucky (2017)
Dir. John Carroll Lynch

Lucky es el final de un viaje, una película que, casualidad o no, muestra un plano de Harry Dean Stanton mirando a cámara y sonriendo que engrandece aún más a este actor por la forma que ha tenido de despedirse de este mundo. Aunque todavía lo podremos ver en otra película que está en postproducción, “Frank and Ava”, Harry Dean Stanton murió poco después de finalizar Lucky, una película que no pudo ver terminada y que, sin ser autobiográfica, sí que cuenta algunos recuerdos de su vida real.

Lucky es película que termina de cerrar un círculo. En 1999 David Lynch estrenó “Una historia verdadera” una rara avis en su filmografía y una película imprescindible, de las que te dejan marca. Tiene mucho que ver “Una historia verdadera”, película en la que también participó Harry Dean Stanton, con lo que el director John Carroll Lynch cuenta en Lucky. “Una historia verdadera” también supuso la última actuación de Richard Farnsworth y precisamente para mostrar una profunda reflexión sobre cómo el acercamiento del final de la vida, cómo lo que es inevitable pasa por encima de la tozudez que la ha marcado durante mucho tiempo, una película sobre la aceptación y el perdón. Y todo este peliculón nos regaló David Lynch con una historia de lo más sencilla. Pues en Lucky ocurre exactamente lo mismo, una historia de lo más sencilla, escenas rutinarias en la vida del protagonista que afronta el tramo final de su vida con necesidad de saber hacia dónde va a terminar. Y siendo un guion pensado solo y para Harry Dean Stanton, basado en sus propias apreciaciones vitales, la idea final que el actor expone me resulta de una sencillez y honestidad admirable.

La película es una tardía ópera prima del actor John Carroll Lynch, que ciertamente demuestra que sabe rodar y contar una historia que corría el riesgo de volverse aburrida porque realmente no nos está contando nada en particular. Sin embargo son los actores los que llevan la película a buen puerto, sobre todo lo que dicen, sobre todo Harry Dean Stanton. Hay otros círculos que se cierran aquí. David Lynch también participa y actúa en el film, y tiene papel relevante en una película tan relacionada con “Una historia verdadera”. Y otro momento, una escena en la que Tom Skerritt y Harry Dean Stanton hablan, de nuevo parece que autobiográficamente, de vivencias de la segunda guerra mundial,…, es otro círculo que se cierra, aunque éste es desde un punto de vista más personal, un círculo que empezó en 1979 cuando ambos actores estaban juntos en Alien y que treinta y ocho años después se cierra.

8/10 - Notable


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Aniquilación (2018)
Dir. Alex Garland

En 1979 el director Andrei Tarkovsky, por entonces soviético, nos regaló un alabadísimo film, “Stalker”. En mi caso, que vi el film bastante después guiado por las alabanzas, la película me dejó una imborrable marca por ser uno de los mayores coñazos que he podido contemplar, siempre en mi opinión, obra cumbre de la pretenciosidad gafapástica. En la película se plantea la existencia de un lugar en Rusia llamado “La Zona” donde hace años se estrelló un meteorito. Los tres protagonistas se adentran en este lugar prohibido para buscar una habitación que tiene la capacidad de cumplir los deseos más recónditos de las personas.

Alex Garland parte de una premisa muy parecida en “Aniquilación” y de hecho la película guarda muchos parecidos en su planteamiento general con la película de Tarkovsky, incluyendo el coñazo considerable que finalmente resulta. La actividad de Garland hasta ahora había ido más por el camino de la novela y especialmente la escritura de guiones dentro del ámbito de la ciencia ficción (28 días después, Sunshine, Dredd, Ex Machina). Con Ex Machina se pasó también a la dirección consiguiendo una película interesante aunque, siempre en mi opinión, bastante sobrevalorada. Con “Aniquilación”, su segunda película, Garland eleva el nivel de pretenciosidad para rellenar una película que realmente está contando muy poco, como la de Tarkovsky. Luego vendrán aquellos que dirán que no se ha entendido nada de lo que se cuenta o pretende contar, pero no, que todo se entiende perfectamente, en las dos películas. Y la idea es muy buena, lo malo es cómo se rellena todo.

Aquí resulta que cinco científicas se adentran en “La Zona” que ya se sabe por misiones anteriores, nada menos que militares, que es sitio muy peligroso. Pues resulta que las señoras van de expedición como si fueran de acampada aunque, eso sí, al menos van pertrechadas cada una con sendos fusiles M16 aunque la mayoría de ellas reconozca que no sabe utilizarlo correctamente. Todo muy normal. Pero vamos, dejando a un lado las incongruencias y agujeros de guion, que los hay, la película es lenta hasta exclamar ¡ya está bien! Para colmo se rellena tiempo con flashbacks de lo más inoportunos y que aportan muy poco o nada a lo que estamos viendo. Entre bostezo y bostezo, esperando ver qué resolución se le va a dar, aparece alguna escena interesante con una criatura y poco más.

Y luego viene la resolución de la película. Como parece que está todo inventado, ante la falta de ideas originales se opta por tomar algo de aquella película, esto otro de aquella otra para plantear una resolución que cuadre con los personajes que estás viendo que sobreviven, que te los están mostrando desde el principio con la consiguiente falta de tensión. Vamos que la película no funciona ni como Slasher. Decepcionante.

3/10 - Floja



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Coco (2017)
Dir. Lee Unkrich, Adrián Molina

La verdad es que hace ya bastante tiempo que me cuesta entrar en el cine que la productora Pixar hace. Desde la buenísima Toy Story 3 (2010) y quizás también, aunque no tan buena, Brave (2012), la productora no ha estrenado películas que particularmente me llamen la atención. Eso sí, anteriormente estaba la de los insufribles cochecitos con los que tuve bastante con la primera. Después de Brave vino (que fuera pelicula original y no continuación de otras películas anteriores) Inside Out (2015), que me pareció exesivamente adoctrinante y manipuladora, me gustó muy poco. 

En el caso de Coco la apabullante animación que estas presenciando ya de por sí merece que muestres interés en la película. Desde luego es una muestra de lo que se puede hacer con un presupuesto de 175 millones de dólares, y lo cierto es que es una maravilla. Pero casi que ya está, que la historia y la aventura que se desarrolla con tanto dinero está ya muy vista de una forma u otra dentro de las anteriores películas del propio estudio. Es un camino trillado pero efectivo si todo se hilvana bien para jugar con el sentimentalismo al final. Ahora bien, que el camino esté ya muy trillado hace que la película sea casi aburrida en su primera mitad o más incluso, hasta que llega el giro que te ves venir por cómo tratan o muestran al personaje que va a dar la supuesta sorpresa. Peo bueno, el aburrimiento se suple con la distracción de lo accesorio, de los escenarios y los personajes que pululan por ellos, de las coreografías en los números musicales. Luego, como ya se han consumido dos tercios de película, todo se atropella excesivamente hacia el final, precisamente cuando las cartas se ponen sobre la mesa y la película capta algo de interés.

Y una explicación continua de todo por boca de los personajes, ¡qué pesadez! y qué añoranza de anteriores películas de Pixar donde no se decía una palabra en minutos y solamente el lenguaje visual y la animación lo transmitían todo.

No la he visto en versión doblada pero se me antoja que la película es de obligada visión en versión original.

6/10 - Interesante




Nº de películas reseñadas en el blog: 381 
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



martes, 10 de abril de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº XCIX)

Fecha estelar: -304727.6
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Películas reseñadas:

- Mother! (2017)
- Star Wars: los últimos Jedi (2017)
- Midnight runners (2017)


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Mother! (2017)
Dir.:Darren Aronofsky

Siendo la alegoría algo que generalmente suelo llevar fatal, la película de Aronofsky ha sido como tomar tres tazas para el que no quiere caldo. No es que la película cuente algo y que sutilmente puedas interpretar sobre lo que estás viendo, es que es una película que solo tiene sentido como alegoría. E incluso tiene varios significados simbólicos que se pueden ver porque la sutileza de la fábula brilla por su ausencia. Se me antoja, sin embargo, que la principal alegoría que vemos a través del personaje de Bardem es la del egocentrismo del director como creador que es que te suelta su obra estando por encima de todo, ¡tened hijos mi nueva película! ¡Admirad la obra y discutid vosotros largamente sobre lo que os estoy contando! Pues sea!... y aquí tenemos el típico ejemplo del llamado cine de autor en su sentido más gafapástico, y legiones de humanos queriendo contar lo que han entendido de la película no vaya a ser que a algunos se nos haya quedado algo sin comprender.

Después del, en parte, alegórico párrafo anterior, no seré yo el que despotrique sobre todo el cine de Aronofsky, aunque tampoco es que me resulte, de lo que he visto, un cine atractivo. No puedo opinar sobre “El cisne negro” (2010) porque es película a la que no me apetece acercarme para nada, es algo que no puedo explicar pero hay películas cuyo visionado me da mucha pereza. Sin embargo, me resultaron interesantes (solo interesantes) “Pi, fe en el caos” (1998), “Réquiem por un sueño” (2000) o “El luchador” (2008). Incluso la denostada “Noé” (2014) me pareció buena. En “Mother!” me interesa lo que se cuenta mientras no hay desmadre, el misterio de la propia casa, la inspiración de “El ángel exterminador”, el aire a "La semilla del diablo", todo esto es lo que ocurre en buena parte de la primera mitad de película. Y ello a pesar del, con frecuencia, mareante intento de contar todo a través de los ojos de Jennifer Lawrence poniendo la cámara permanentemente cerca de su rostro y dando paseos y más paseos por la casa. Necesario para lo que se está contanto, llevar la cámara siempre cerca de la protagonista es marca de la casa, pero también agotador. Y luego llegan los momentos de desbarre, la pretenciosidad sutil pasa a ser burda y la lógica de las situaciones desaparece porque no se está contando nada, la película no cuenta nada más que las propias alegorías que se supone que estás montando en tu cabeza. Bien se asegura Aronofsky de que en tu mente las construyas bien al darte las imágenes con el sentido exacto que debes tomar. Sin embargo son estos momentos en los que yo pienso: ¡cómo te pasas Darren, cómo te pasas! La segunda parte es tan excesiva que incluso se hace aburrida.

No tiene nada que ver, pero pensando en otra película cercana en el tiempo con el mismo título (sin signo de exclamación), mejor me quedo con el thriller que rodó Bong Joon-ho en el año 2009, que ésa sí que es buena.

4/10 - Regular


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Star Wars: los últimos Jedi (2017)
Dir.: Rian Johnson



Una reseña completa de la película aquí.







4/10 - Regular







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Midnight Runners (Chung nyeon gyung chal , 2017)
Dir. Kim Joo-Hwan

Película que cumple con buena parte de los clichés de las Buddy-cop pero pasando por la óptica coreana. Empieza como si de una comedia se tratara, luego pasa por el thriller y la película de acción pura, pero sin dejar ramalazos de comedia. Y lo cierto es que la película cumple sobradamente su propósito, entretiene y no aburre.

No se trata realmente de dos policías, sino de dos jóvenes estudiantes de academia de policía que durante una noche de parranda presencian un delito grave y deciden investigarlo porque se ven en la obligación de ello. La película da un giro a pesar del tono del film hasta este momento y, desde luego, no se corta en la crítica al sistema burocrático policial y, ciertamente, es un alegato final al acierto que es tomar las decisiones correctas en el momento preciso a pesar de las consecuencias que éstas puedan llevar después. Funciona bien porque la química de los dos actores, Park Seo Joon y Kang Ha Neul, es muy buena. Tienen varios momentos hilarantes que pueden ser todavía más numerosos si el espectador está acostumbrado a las bromas podríamos decir “asíáticas”, más concretamente coreanas, e incluso cercanas muchas de ellas a las de algunos mangas. Desde luego un par de carcajadas te saca, incluyendo un momento particular (no me puedo resistir) cuando entran en un barrio nocturno con muchas luces y carteles de bares y locales y los protagonistas dicen que parece que se están metiendo en China.

Pero también sabe ponerse seria con la trama de la investigación, eso sí, muy arquetípica, lineal y sin claroscuros, como corresponde al género y al tono ligero que se va intercalando. Sus momentos sórdidos tiene. La parte de acción y peleas me ha parecido más convencional dentro de lo que es este tipo de cine coreano. La escena final post-créditos es del todo un acierto, sobre todo si te has dejado llevar por la aventura de esta pareja de cadetes. Sin tener grandes pretensiones ni exigirle mucho, una película que cumple dentro de su género y que resulta bastante entretenida.

6/10 - Interesante





Nº de películas reseñadas en el blog: 378
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lunes, 2 de abril de 2018

Berserk, un repaso y reseña del anime (2016-17)

Fecha estelar: -304748.2
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Berserk es un manga creado por Kentaro Miura, tanto en su dibujo como en su argumento, que inició su andadura con un prototipo en 1988, hace ya treinta años, que se dice pronto. Actualmente sigue en publicación habiéndose editado el volumen 39. No se ven señales de un final próximo. Se puede pensar que la obra creada por Miura es muy amplia y ciertamente lo es, aunque no tanto. Berserk es un manga difícil de leer o más bien de seguir sobre todo por la inconstancia del autor especialmente desde que inició el volumen 30. Ha sufrido parones, algunos de años. Particularmente dejé la obra allá por el año 2013, cuando sufrió un parón en el volumen 37, y con la firme decisión de no volver con ella hasta que no terminara. Más de tres años después Miura retomó su criatura publicando dos volúmenes más desde el 2016 hasta hoy. Es una opinión, pero la hogalzanería de Kentaro Miura se está haciendo legendaria y es una pena que un manga tan bueno esté siendo tan maltratado por su propio autor. (Y no es el único, que ahí está también Takehiko Inoue que parece que no tiene tiempo para terminar su Vagabond, tan cerca como está del final de la historia y, sin embargo, parada desde el 2015. Una entrada sobre Musashi Miyamoto y Vagabond aquí).

De género fantástico-medieval, Berserk es un seinen muy bien dibujado por Miura, un dibujo excelente por momentos, sobre todo desde que se centra y dibuja la fantasía oscura lo cual viene a ocurrir a partir del capítulo 73, llamado Eclipse (volumen 12). No se corta Kentaro Miura a la hora de dibujar la violencia, el gore la depravación o el sexo en Berserk, ya desde las 10 primeras páginas del manga te lo muestra muy claramente. Es el inicio de la obra, el conocido como arco argumental de “El Guerrero Negro”, que ocupa los dos primeros volúmenes y medio, donde se nos presenta a su protagonista principal, Guts, y sus motivaciones principales a través de sus sombrías aventuras de caza de las criaturas conocidas como Apóstoles y la primera aparición, que no primer encuentro, con la Mano de Dios. Desde luego es un inicio fuerte que abruptamente se detiene para iniciar el arco de “La Edad Dorada” que contará desde la infancia de Guts hasta la situación en la que empieza la historia. Es un arco menos oscuro y fantástico que llegará hasta parte del volumen 14 (capítulo 94). No obstante, desde que llega el Eclipse, hacia el final de La Edad Dorada, el arco retoma su camino por la fantasía oscura y el manga se vuelve mucho más interesante. Después vendrán las sagas “Castigo” (volúmenes 14 a 21) y “El Halcón Milenario” (volúmenes 22 a 35). Actualmente el manga está inmerso en la saga “Fantasía” iniciada en el volumen 35.

A la hora de adaptar el manga a un anime, ciertamente, el arco más “sencillo” es La Edad Dorada, y así fue en la serie de 25 episodios estrenada en 1997 en la que el propio Kentaro Miura estuvo en la dirección como creador de la obra. La serie es bastante buena aunque no se acerque a la profundidad del manga. A pesar de ser una animación muy típica del momento, los animes de los años 90, la serie no ha sido superada por todo lo que he ha hecho después en animación sobre Berserk. Además de que tiene una mítica banda sonora de Susumu Hirasawa. Fue con esta serie con la que particularmente me adentré en este universo. Para mí primero fue la serie, bien adentrados ya en la primera década el siglo XXI, después vino el manga.






 

Trailer para la serie Berserk (1997)





Entre los años 2012 y 2013 el mundo de Berserk volvió a la animación con tres largometrajes dirigidos por Toshiyuki Kubooka. No aportaron mucho estas películas más allá de actualizar la animación a técnicas más modernas. La causa era que se volvía adaptar el arco de La Edad Dorada, es decir, nada nuevo y bastante resumido. A pesar de ello el tercer largometraje es bastante notable por culpa, claro está, de su acercamiento a la fantasía más oscura, la cercanía a los hechos que tienen lugar en El Eclipse.












Trailer de  Berserk. La Edad de Oro III: El advenimiento (2013)


Y después del año 2013 viene el parón. Kentaro Miura deja de publicar durante años y de Berserk solo nos quedaba releer la historia Cuál no sería la sorpresa cuando en el 2016 se anuncia que Miura retoma el manga (eso sí, a su ritmo) y, además, salía una nueva serie sobre Berserk que se atrevía a seguir la trama después del Eclipse

¡Por fin se podrían ver en animación nuevos arcos!

Póster para la primera temporada de Berserk (2016)
Llegamos así a una serie, por ahora de dos temporadas emitidas en 2016-17, dirigida por Shin Itagaki y con Kentaro Miura en labores de supervisor ejecutivo ¿Qué podría salir mal?

Pues lo cierto es que, siendo muy generoso, la serie es solo pasable, más bien es de un regular bastante bajo. Tiene sus momentos, se recupera a Sumusu Hirasawa para la música en los momentos más épicos que, al menos, nos recuerdan la serie de los noventa y hay varios planos estáticos con un dibujo interesante. Los personajes, sus rostros, están dibujados igual que en el manga, están trasladados tal cual y eso también se agradece. También se agradece que la historia no se desvíe en sus líneas generales de lo que el comic está contando. Supongo que aquí es donde la labor de Kentaro Miura ha estado funcionando, la fidelidad a la historia, a los detalles y a los dibujos del manga. Sin embargo, tan perfeccionista como se supone que es el autor, no se entiende que haya dado el visto bueno al acabado de la serie, a la censura que se ha impuesto y a la rapidez con que transcurre. Son los aspectos que especialmente lastran el producto.


Trailer para la primera temporada de la serie Berserk (2016)



Poster para la 2ª temporada de Berserk (2017)
Empezando con la rapidez de la serie. En los 24 episodios de las dos temporadas la serie ya se ha ventilado el arco inicial de El Guerrero Negro, todo el arco Castigo y buena parte del arco de El Halcón Milenario. A este ritmo con otra temporada la serie alcanza al manga. Para aquellos que vemos Berserk conociendo el manga, al menos en mi caso, tanta rapidez es un problema. Hay tramas olvidadas, otras se ventilan en minutos a base de flashback, la serie va rápida y no se detiene, los personajes se desdibujan demasiado y muchas de sus acciones solo tienen sentido si algún flashback rápido te lo ha contado. Incluso la personalidad de Guts aparece algo desdibujada tendente siempre hacia las buenas acciones cuando la esencia de Berserk, y de ahí viene el nombre, es la del guerrero letal con un objetivo que no conoce amigo o enemigo. Por este punto se puede enlazar también con la censura. Berserk es un manga para adultos, con mucho gore, desmembramientos, morbosidad, violaciones, desnudos y sexo. Parece ridículo mostrar sangre y espadazos directos, que quedan bastante regular al ser CGI, y censurar los desnudos. Si ya de por sí la serie no está indicada para menores, incluso avisa que su contenido puede herir sensibilidades, ¿qué sentido tiene racanear sangre y vísceras, borrar pezones o evitar directamente algunas escenas complicadas? Puede ser el signo de los tiempos que corren, pero el resultado final canta demasiado.

Y finalmente la animación. No es que sea discutible, es que es muy discutible. Alterna dibujo en 2D con gráficos en 3D que cantan por peteneras. No sé cuál ha sido el coste de todo esto pero el rematado resultante es el de una serie de muy bajo presupuesto. Por ejemplo, todos los demonios y monstruos están realizados por ordenador con un acabado que sería muy digno si la serie tuviera más de veinte años, pero hoy día no es nada aceptable. No hay fluidez de movimientos, ni siquiera cuando los personajes andan, y no digamos en las luchas, donde se vuelve a técnicas de anime de hace décadas, de imagen estática y recorrido de cámara. Se ve en la serie la intención de recrear viñetas concretas del manga y lo cierto es que tiene buenos planos distantes y algunos movimientos de cámara, pero luego, de cerca, las luchas van muy rápidas pero estáticas por culpa de una animación incapaz de mostrarlas poco a poco. Lo mejorcito del manga se ventila aquí rápidamente y se sale del paso. Y todo esto también se lleva a los rostros, bien dibujados respecto al manga, pero que cuando hablan solo mueven la boca manteniendo una rigidez excesiva, robótica. De los efectos de sombra mejor no hablar. Al menos sí que se nota una cierta mejoría en esta animación desde la primera a la segunda temporada, pero cuesta muchísimo adaptarse, olvidarse de ella y meterse en la historia.




Son muchos los peros que tiene la serie y cuesta mucho adaptarse. Sin embargo hay veces, solo algunas pocas ocasiones con determinados planos, donde aparece de pronto el verdadero Berserk, el que dibuja Kentaro Miura. Son momentos que ayudan a seguir adelante con la serie. Y la verdad, porque no hay nada más sobre esta historia, además del manga es lo único que hay y, en mi caso, me contento con poco porque menos es nada.


Opening de la segunda temporada de la serie Berserk (2017)


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martes, 27 de marzo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº XCVIII)

Fecha estelar: -304765.8
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Películas reseñadas:

- Crónicas mutantes (2008)
- Creepy (2016)
- Mudo (2018)

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Crónicas mutantes (2008)
Dir. Simon Hunter

Seamos claros desde el principio, la película es mala de narices. Pura serie B que parece producida para emitir en el canal SCFI junto con sus sharknados, lavalántulas o productos similares. Sin embargo presenta algunas ideas iniciales interesantes que, al menos, suben el nivel dentro de este tipo de películas quedando un producto de sofá que terminas de ver porque el mando a distancia está inaccesible.
La idea es muy loca (no cuento nada que no ocurra en los primeros minutos): una máquina extraterrestre acaba en la Tierra hace nosecuantos años. La máquina transforma a la gente en una especie de zombis mutantes asesinos cuyo objetivo es llevar nuevas víctimas a la máquina para su conversión. Finalmente se consiguió enterrar y sellar la máquina quedando una orden clerical vigilante. Transcurridos muchos años, en el año 2707, la Tierra está casi esquilmada de recursos y la humanidad está huyendo a las colonias de Marte. Todo el planeta está repartido entre cuatro corporaciones en guerra continua y en uno de esos enfrentamientos el sello de la máquina es quebrado, la invasión de zombis mutantes comienza de nuevo…
Por lo visto todo esto está basado en un juego de rol, como no podía ser menos dada la amalgama de ideas que se plantean al principio para, luego, quedar todo en la típica aventura de una compañía de personas cuya misión es salvar el exhausto mundo. La presencia de John Malkovich es puramente testimonial para aparecer así en el poster y dar apariencia de película importante. La de Ron Perlman ya es otra cosa, es un puro delirio su papel.
Me quedo con lo bueno. Resulta interesante la estética steampunk del futuro 2707, parecida a la que se plantea en “Sky Captain y el mundo del mañana” (2004) aunque mucho menos rica y peor resuelta dada la falta de medios. Desde luego el aire nebuloso que tiene la fotografía no tiene otro sentido aquí que disimilar los efectos especiales. Luego está la guerra entre las corporaciones, que se plantea como si estuviésemos en medio de la guerra que ya ideara George Orwell en “1984” entre Oceanía, que siempre ha estado en guerra con Eurasia. Una guerra de trincheras, muy cutre eso sí, que parece o tiene estética de una guerra de trincheras en la Gran Guerra. Y luego, también, el inicio de un viaje a las catacumbas de la antigua ciudad arrasada por las guerras. Todas estas ideas están muy bien y la película hace lo que puede con los medios que dispone. De hecho, todo esto se acaba pronto y entonces empieza el viaje de los héroes para salvar la humanidad. Bastante convencional y chapucero a partir de aquí. Antes también ha sido algo/bastante chapucero, pero no convencional. Pero bueno, llegado a este punto ya te dejas llevar hasta el final.

4/10 - Regular

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Creepy (2016)
Dir. Kiyoshi Kurosawa

Hacía tiempo que Kiyoshi Kurosawa, director muy conocido dentro del J-Horror, no se acercaba por el género. No es que Creepy (horripilante, pavoroso) sea película de ese género, aunque tenga algunos momentos de acercamiento.

No le faltan tablas al director para filmar lo que podría haber sido un muy buen thriller. La película está estructurada en dos partes bien diferenciadas, la primera de presentación de personajes y pura intriga en la investigación de la desaparición, hace seis años, de los miembros de una familia; y la segunda, que muestra la pura y fría maldad una vez que se descubre todo. Una película muy bien dirigida y rodada, capaz de inquietar simplemente acercando la cámara a una verja, que te va metiendo poco a poco en la trama, sin prisas, sembrando inquietud y desconcierto creciente. Luego se descubre todo y la película se vuelve más convencional, pero también muy bien mostrada la sordidez del monstruo sin necesidad de tirar de efectismo. Desde luego la labor de los actores ayuda, sobre todo por parte de Teruyuki Kagawa que borda un desconcertante personaje del que no sabes por dónde va a salir.

Sin embargo, la película presenta, en mi opinión, un par de escollos importantes que pasan, en primer lugar, por cierta coincidencia de las de una entre un millón y, sobre todo, por lo poco creíbles que resultan ciertos comportamientos, ilógicos, apocados o de sometimiento que muestran ciertos personajes. Quizás sea porque que es una parte de la historia mal contada o resuelta, pero en buena parte de la película este tipo de cosas restan credibilidad a lo que estás viendo y casi parecen agujeros de guion. Tampoco se libra la película de personajes que hacen cosas que sabes que no deberían hacer, vamos que tú no harías bajo ningún concepto, pero esto es tan habitual en el género que casi parece obligado. Son los motivos por los cuales la película no resulta del todo redonda.

No es recomendable, para nada, ver el trailer de la película. Lo destapa todo.

6/10 - Interesante

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Mudo (2018)
Dir. Duncan Jones

Cuarto largometraje de Duncan Jones, director que comenzó por todo lo alto pero que se está desinflando poco a poco. La historia es suya y, quizás, ése sea el problema, la elección de una buena historia y un buen guion que dirigir.

Aquí se trata de un hombre mudo que inicia la búsqueda de su novia desaparecida y que tiene un secreto por contar. Una historia que es seguida hacia adelante con una falta de interés más que patente. Encima, para que tengamos más simpatía por el protagonista, resulta que es una especie de amish solitario en medio de la cuidad de Berlín en año 2056 y que, ¡tócate los pinreles!, trabaja en un bar de striptease. Pura bondad en medio de tanta perversión y proxenetismo. Pero no cuela, la historia no tiene ni pies ni cabeza, no encaja para nada en este futuro donde se presentan, además, otros personajes que no interesan lo más mínimo. El aburrimiento no tarda ni quince minutos en aparecer. Para colmo, pronto sabes cuáles son los personajes que van a ocupar el último plano de la película porque, encima, es muy predecible y el director te lo está mostrando continuamente.

El envoltorio de la trama, la ciudad de Berlín en el año 2056, está inspirada claramente en la ciudad de Los Ángeles de Blade Runner. Aunque sin tirar cohetes, que el acabado de la película es muy televisivo. Al menos los planos generales de la ciudad distraen entre bostezo y bostezo, pero llega un momento en que ya ni eso. Y lo cierto es que la ambientación no es más que eso, un envoltorio que distrae porque lo que se cuenta podría estar planteado en cualquier época ya que no se hace un uso de las posibilidades del futuro tecnificado para incluirlas en la trama. No me parece que esta película se pueda catalogar dentro del género cyberpunk más allá de que imita la estética de Blade Runner que sí que es película iniciadora del género.

3/10 - Floja






Nº de películas reseñadas en el blog: 375

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martes, 20 de marzo de 2018

Star Wars VIII. Paren que yo me bajo del carro, ... o no, ya veremos

Fecha estelar: -304785.1
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Star Wars: Los últimos Jedi (2017)
Dir: Rian Johnson


La importancia de “La Guerra de las Galaxias” en aquellas personas que pudimos ver la trilogía original sin que ninguna otra cosa sobre este universo existiera, al menos en mi caso, radicaba en el disfrute de lo que es pura aventura espacial fantástica, que es la esencia del subgénero de space opera. El pilar principal que hacía la trilogía original algo digno de recordar era la concepción artística de todo el universo, algo que no se había visto nunca antes de esta manera. Algo había mostrado ya Kubrick pero su cine no era precisamente adecuado para las edades de entonces, también en “Naves misteriosas” (1972) se había visto algo, pero sin punto de comparación posible. En La Guerra de las Galaxias la maestría y la inspiración a la hora de mostrar los mundos, el espacio y las batallas espaciales, las naves imperiales, …, por muy clásica que fuera la historia que te estuvieran contando, visualmente todo te tenía tan alucinado que consiguió sembrar la iniciática afición juvenil por la ciencia ficción de aquellos años ochenta que marcó, y mucho, las preferencias literarias y cinematográficas a lo largo de los años.



Luego vino el desarrollo de todo este universo en novelas, comics, juegos, etc… Para cuando lo que en España llamábamos La guerra de las Galaxias empezó a generalizarse como Star Wars el universo creado alrededor de la trilogía se había hecho tan amplio y excesivo, tan inabarcable para mí que finalmente solo me quedé con la trilogía de películas, que siempre estaba y está ahí, en un altar. En 1999 George Lucas tomó su historia y la expandió cinematográficamente hacia atrás en el tiempo en una nueva trilogía. Cometió muchas torpezas a decir de muchos de sus aficionados y ciertamente así fue, pero Lucas es el dueño de su criatura y ésa fue su idea. Pues con todas las torpezas de la trilogía de episodios I al III, por muy denostada que haya sido, al final va a resultar ser mejor que la nueva carrera que ha tomado Star Wars dentro del ámbito Disney. Principalmente porque Lucas nos cuenta algo nuevo, que puede resultar más o menos interesante, pero no repite, que es lo que está pasando con los episodios VII y VIII. En su línea principal, la numerada por episodios, Star Wars está tomando una vocación de repetitiva novela-folletín sin final.

Hay que tener en cuenta que la sorpresa visual ya se ha acabado, ya estamos muy acostumbrados a ver naves espaciales, alienígenas, batallas y explosiones. Desde luego que hoy se hace todo mucho mejor y visualmente es espléndido, no se puede negar, pero todo está ya visto y asimilado, resulta normal y no hay sorpresa por culpa de la costumbre. Incluso dudo mucho que un acercamiento juvenil de hoy día a la parte visual de este universo cause la sorpresa y admiración que causó la primera trilogía en los años ochenta. Y como los escenarios y las naves son como parte de nuestra casa, lo que queda de Star Wars es la historia, ver si lo que se cuenta interesa. Y no lo hace o no lo está consiguiendo.


La historia que se está contando en los episodios VII y VIII, aparte de muy poco original, está dando bandazos como si no supiera exactamente por dónde tiene que ir, como si estuviera encontrando un camino, cosa que no creo que realmente ocurra para un producto tan costoso que, supongo, tendrá bien perfiladas las líneas generales de la historia. El caso es que los paralelismos del episodio VII con la película original son irrebatibles, la película debía subtitularse “el despertar de una nueva esperanza de la fuerza”. Los paralelismos del episodio VIII con El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi son más sutiles, pero los tiene. Vale, todo esto se puede entender si se hace bien, pero no todo vale para montar la historia. Cuando en las películas, más o menos, se han venido estableciendo unas reglas que rigen en este universo, no te las puedes saltar como te salga de las narices, que luego esto necesita de todo un nuevo departamento de continuidad para cuadrar a posteriori lo que aquí ocurre. Sobre todo en el tema de hacer cosas a distancias de años luz, o los muy efectivos cursillos Jedi de dos horas, o todo lo relativo al uso de la Fuerza, que parece que va y viene en intensidad según qué es lo que el usuario necesita hacer en ese momento, porque sí, porque las cosas pasan porque sí, que ahora tengo “full-power” y soy capaz de acabar con lo que se ponga por delante y dos minutos después tengo el “power” muy bajo y un soldado que pasa por allí casi me mata. En cualquier caso, es todo lo que ocurre entre Luke, Kylo Ren y Rey lo que tiene un mínimo interés en la película. El resto pues ni fu ni fa y mucho correr, más de lo mismo. Los altos mandos del imperio y las fuerzas imperiales en general no es que hayan sido muy lumbreras desde siempre, pero es que estos de la Primera Orden son directamente de chichinabo cuando no una caricatura, véase aquí al general Hux. Del personaje de Phasma mejor ni hablar, no he visto personaje peor aprovechado, y menos aún debemos hablara del puro momento Disney que tiene Leia cuando la película no lleva ni un tercio de su recorrido. Irrisorio, mejor olvidarlo.

Debemos ser conscientes de que el gran negocio montado con Star Wars no puede acabar y que la productora está encontrando nuevo público al que ofrece nuevos protagonistas que son los llamados a mantener el producto en el futuro. Lo que ocurre es que la historia que cuenta y, sobre todo, los manidos recursos que utiliza para contarla, la poca originalidad y la poca profundidad que tiene ya no me interesa. Seguramente es cosa de la edad, pero por eso yo me apeo aquí y de la película me quedo con los momentos nostálgicos que tiene, que no son otros que los encuentros de los personajes de la trilogía original, Luke en el Halcón Milenario, con RD, Luke y Leia y algún importante personaje más. Es el adiós a La Guerra de las Galaxias que vimos nacer y el nacimiento de la nueva Star Wars…, para el que la quiera seguir. 

Bueno....., todo el mundo sabe que tal afirmación es mentira y que finalmente acudiremos religiosamente al episodio IX aunque sea con muy pocas expectativas de encontrar algo mínimamente interesante. A Disney esto no le importa, le importa que saques el ticket y pagues. Incluso sabe la productora que muchos pasarán por caja dos o tres veces, un negocio redondo. Al menos “Rogue One” sí que fue una grata sorpresa, no para tirar cohetes pero bastante superior, en mi opinión, al camino que está siguiendo la línea principal de episodios de Star Wars. Y el negocio sigue, la película por estrenar sobre Han Solo será la siguiente. Cuando una película nace deslavazada, cuando ha pasado por varias manos y se monta y remonta, a veces, es cuando mejor resultado queda al final. Hay muchos ejemplos de ello y “Solo: a Star Wars Story” pudiera ser uno. O no, que también hay muchos ejemplos en el sentido contrario, ya veremos.



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Recuerda, amigo lector, que esta reseña está basada única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.

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martes, 13 de marzo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº XCVII)

Fecha estelar: -304804.4
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Películas reseñadas:

- La ceremonia (1971)
- Tres anuncios en las afueras (2017)
- Los archivos del Pentágono (2017)

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La ceremonia (Gishiki, 1971)
Dir. Nagisa Oshima

Cuando se habla del cine de Nagisa Oshima es normal que en primer lugar se mencione El imperio de los sentidos (1978). Sobre todo, más que por la calidad del film, por la polémica que acompañó a una película a cuya versión sin censura, creo, aún no se puede acceder en Japón. En segundo lugar, seguramente, se mencionará Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), que es mejor película, desde luego desde un punto de vista occidental, porque es bastante más asequible y/o entendible. No ocurre así con otras películas del director japonés porque, o bien resultan demasiado “experimentales”, o bien resultan que, pretendiendo ser críticas con la transición/decadencia de la sociedad japonesa más tradicional después de la segunda guerra mundial, lo hacen centrándose en aspectos tan específicos y arraigados de dicha sociedad que pueden ser conocidos con poca profundidad por todo aquel que contemple estas películas desde fuera. Y este es el caso de La ceremonia (Gishiki, 1971).

La película se estructura en torno a una serie de flashbacks que escenifican una serie de ceremonias familiares, dos bodas y tres funerales, dentro del poderoso clan Sakurada. Dentro de esta familia los personajes centrales son Masuo, que es el narrador de la historia, su prima Ritsuko y su primo Terumichi. La base de la historia está en las relaciones entre estos personajes y sus familiares más directos, la madre de Ritsuko o la cabeza del clan, el abuelo, causante de su fortaleza y de su degradación. Oshima no se anda con sutilezas a la hora de mostrar la decadencia de una familia de estructura cuasi medieval donde la “pureza de la línea familiar” se asienta en la endogamia, el incesto, el suicidio o la inducción al mismo, cuando no directamente el asesinato. Hay en las reuniones ceremoniales una mezcla de hermanos, medios hermanos y primos que resulta por momentos de difícil comprensión. Las ceremonias, que tienen lugar en diferentes años a lo largo de un par de décadas, muestran el declive, la pérdida de la importancia, de la fuerza de la familia hasta el punto de terminar resultando todo mera fachada. Muy reconocida es en la película la ceremonia de una de las bodas, sin embargo resulta mucho más notable, y muy bien filmada, la fascinación por el erotismo y la provocación de Oshima en una escena de iniciación/voyerismo.

Bueno, al menos entiendo lo que Oshima está mostrando. Pero la verdad es que cuesta llegar a simplificar la historia a lo que parece fundamental, bajo mi punto de vista. Hay demasiadas disquisiciones existenciales de Masuo, personaje al que casi me cuesta entender, o conversaciones a las que cuesta encontrar sentido, aparte de que no son muy fluidas, y esto es muy japonés y la película se resiente de ello. También me resulta complicado de entender o de encontrar sentido a las críticas políticas que seguro que Oshima está realizando, por ejemplo, en una de las bodas cuando cada uno de los invitados canta una canción, pero esto es fruto del desconocimiento. El caso es que hay momentos en que la película parece que avanza poco y se hace pesada.

No se puede negar que está bien filmada para transcurrir casi todo en interiores. No obstante se percibe alguna “moda” de la época como es el uso del zoom para acercarse a los rostros de los actores. La disposición de las personas en las ceremonias se muestra y se entiende porque la cámara baja al suelo o se eleva cuando tiene que hacerlo, pero la puesta en escena me resulta excesivamente rígida y teatral en buena parte de las escenas corales. En cualquier caso, es una película cuando menos interesante.

6/10 - Interesante


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Tres anuncios en las afueras (2017)
Dir. Martin McDonagh

De un tiempo a esta parte, desde hace años, mi problema con las películas nominadas a mejor film en los Óscar, sobre todo con las que tienen, además, muchas nominaciones, es que se crea tal expectativa sobre ellas que la decepción que después acarrean te lleva, cuando menos, al “no es para tanto” y, cuando más, a pensar que vives en otro planeta. El caso de Tres anuncios en las afueras es el de cuando menos. Siquiera, y aunque no gane, la película sí que se podrá recordar en el futuro. No ocurre así con la mediocridad de olvidables películas premiadas en el último lustro, ya casi ni me acuerdo de la que ganó el año pasado y menos aún la de hace dos años.

Tres anuncios en las afueras es una buena película fundamentalmente por culpa de Frances McDormand, que se merece el Óscar curiosamente por una película que tiene muchas reminiscencias a Fargo, película donde también recibió el premio. También tiene bastante culpa de que la película sea buena la actuación Woody Harrelson. Pero llega un momento en el que su personaje, llamémosle así, deja de tener relevancia en la historia y entonces la película, en mi opinión, tiene un bajón considerable. Es una película que va de más, mucho más, a menos. A Sam Rockwell lo veo algo sobreactuado al principio.

La primera hora es espléndida, la segunda parte no tanto. A pesar de ello la película se deja llevar hasta el final por la inercia de la primera parte. Y ello a pesar de que pasan cosas que, pese al tono de comedia negra que tiene, parecen metidas con calzador, un oportuno flashback que se podría haber resuelto mucho mejor, un exmarido con una relación que no te crees de ninguna manera o una evolución de un personaje que ocurre como de la noche a la mañana.

Una muy buena película de actores, especialmente dos buenos actores y un buen medio guion. Comparada con Lady Bird, que es otra película nominada que he podido ver, es un peliculón.

7/10 - Buena


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Los archivos del Pentágono (2017)
Dir. Steven Spielberg

Siendo Steven Spielberg uno de los directores más relevantes de nuestra generación con una carrera próxima a los cincuenta años, nada se puede reprochar en sus películas a nivel de dirección, de producción o desde un punto de vista técnico. En este caso, dado el tema que trata, podría haber sido una película difícil para cualquier espectador no norteamericano por la profusión de nombres, cargos políticos, empresariales o estructuras de poder. Al menos es lo que me ocurre cuando veo películas de este estilo, como en "Todos los hombres del presidente" donde acabo verdaderamente agotado. No es el caso, sin embargo, de "Los archivos del Pentágono". Aquí se entiende todo bastante bien gracias, desde luego, a la labor de concisión de lo que se quiere contar y de cómo se quiere contar. Lo cual no quiere decir que la película resulte redonda, más bien parece un producto ya visto anteriormente que ha sido actualizado.

Dados los medios de producción actuales, de la película me quedo con la parte, podría decir, documental, la visualización de una época que cada vez queda más lejana, de cómo era el trabajo de prensa o la redacción de un periódico. Con el contenido ya tengo más problemas y la película me resulta algo tendenciosa. Tampoco puede evitar Spielberg en casi todas sus películas algún toque melodramático aunque no pegue mucho en medio de todo lo que se cuenta. Aquí tiene a Meryl Streep y lo aprovecha muy bien. También evita la equidistancia, se nota a la legua hacia dónde quiere llevarte la película porque esto ya se ha visto antes, lo cual la hace ser predecible en los aspectos generales de la historia.  No me estoy refiriendo a cuestiones conocidas porque la historia esté basada en hechos reales. Pero lo peor es que encima enfatiza demasiado estos aspectos a lo largo de todo el film y especialmente al final. La idealizada lucha por la libertad de prensa, la posición de la mujer sola ante tanto tiburón, las personas íntegras contra viento y marea, el abuso del poder, la avaricia del dinero y tal y tal.... solo hay claros y oscuros. Nominada a mejor película, es otra perfecta obra reivindicativa para los tiempos que corren. Y hay unas cuantas de este tipo nominadas este año.

6/10 - Interesante






Nº de películas reseñadas en el blog: 372

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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



martes, 6 de marzo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº XCVI)

Fecha estelar: -304823.5
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Películas reseñadas:

- La forma del agua (2017)
- Lady Bird (2017)
- Blade Runner 2049 (2017)



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La forma del agua (2017)
Dir. Guillermo del Toro

No es la primera vez que Guillermo del Toro envuelve extremadamente bien una película para luego encontrarte con una decepción considerable. Es cuestión de gustos, claro, pero mi opinión nada a contracorriente de las buenas críticas mayoritarias. Al menos la película está más conseguida que la anterior del director, “La cumbre escarlata” (2015), que me pareció floja, siendo el motivo básicamente el mismo que ocurre aquí: el guion.

No negaré la capacidad y personalidad de Guillermo del Toro como director, que la tiene y sus películas muestran su sello desde sus primeros trabajos, los mejores para mi gusto. “Cronos” (1993), “El espinazo del diablo” (2001) y “Hellboy” (2004) me parecieron buenas, y las demás películas interesantes. Buena es también, aunque solo en parte, el “Laberinto del fauno” (2006). Desde entonces, nada de nada.

En “La forma del agua” no hay pega alguna sobre la dirección de la película referente a lo que se está viendo y a cómo se está mostrando. Visualmente está bien llevada y el diseño de producción es destacable aunque nada de lo que se muestra es original. Más bien un batiburrillo de conceptos tomados se otros lugares. Pero todo esto es pretendido, o así lo entiendo porque la película acierta al conseguir que todo suene a antiguas películas de ciencia ficción/guerra fría ¿O será, más bien, a las dos películas que dirigieron Jean Pierre Jeunet y Marc Caro? ¿No será que también estamos viendo, en cierto modo, una especie de Amelie con monstruo marino?

Tampoco hay pegas con los actores, todos muy bien en su papel por muy arquetípicos que sean. Lo de Doug Jones resulta curioso porque se está especializando en personajes/criaturas con tanto maquillaje y prótesis que no le debe resultar nada fácil al actor actuar a base de lenguaje corporal y de miradas. El actor, comandante Saru de la Discovery en Star Trek, es un habitual en las películas de Guillermo del Toro y en este papel casi que repite con una criatura muy parecida a la que ya interpretara en Hellboy.

Otra cosa es lo que se cuenta. El envoltorio está muy conseguido pero lo está al servicio de una historia sosa por muy vista y predecible, una mezcla de varias ideas (otra vez copiando cosas de aquí y de allá) con muy poca originalidad. Y de un maniqueísmo acartonado y arquetípico evidente donde a Michael Shannon se le desaprovecha con un papel cuasi caricaturesco. Es el hombre, militar para más señas, que abusa de su poder con una prolongación de su hombría a través de un bastón que da descargas eléctricas…, al menos a mí me parece que la sutileza de Guillermo del Toro aquí brilla por su ausencia. En contraposición tenemos el “buenismo” ejemplar, la sensibilidad especial de la protagonista que no se resigna al aislamiento social por su discapacidad y, también, a su adorable vecino vejete, un pintor homosexual (¡oh, sorpresa!). Y mejor no entrar en más detalles porque mires por donde mires todo está muy polarizado, nada de medias tintas. Seguramente todo esto resulte muy exagerado porque no hay más pretensión que mostrar un cuento de hadas, pero lo cierto es, que no es difícil extrapolar estos personajes a los Estados Unidos o al mundo occidental de hoy día. Además, lo que ocurre es que a estas alturas a mí ya no me da la gana de ser tan políticamente correcto para con las corrientes actuales que te dicen qué es lo bueno y qué es lo malo, algo para lo que esta película es muy ejemplar pero que a mí me aburre soberanamente, que siempre es lo mismo.


Spoiler…
Y luego también está la escena cumbre entre los protagonistas en la que se llena un cuarto de baño de agua en un primer piso de un edificio antiguo construido con madera. Mi mente analítica empieza entonces a calcular en lugar de contemplar las bellas imágenes que todo el mundo está esperando ver. Pero yo no puedo porque lo que estoy viendo, las bellas imágenes, estaban previstas hace mucho y el cartel de la película es un spoiler. Entonces empiezo a calcular: un cuarto de baño de 4x3x3 metros de agua contiene nada más y mada menos que 36 metros cúbicos de agua, que son 36.000 kg, ¡¡36 toneladas!! Y todo el rato esperando a ver cuándo llegará el momento en que se va a hundir la estructura para ver a los enamorados en el patio de butacas que hay en la planta baja. Es la magia del cine y las tonterías mías, que siempre se me ocurren cuando lo que estoy viendo me aburre.

5/10 - Pasable



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Lady Bird (2017)
Dir. Greta Gerwig

Aparentemente una película autobiográfica de la directora (o no, vete tú a saber) para esa etapa de la vida que es la transición entre la secundaria y la universidad. En este caso a través de los estudiantes de un colegio católico de pago. La protagonista de la historia, Saoirse Ronan, y la madre, Laurie Metcalf, pues están bien en sus papeles, pero esto no deja de ser un telefilm de sobremesa bien actuado. Y con la participación de la madre de Sheldon Cooper, que no puedo dejar de ver a este personaje en Laurie Metcalf y más aún cuando sus vertientes religiosas son las mismas en la sitcom y en la película. 

En mi opinión, una película muy sobrevalorada que incluso se hace larga a pesar de solo ser 90 minutos su duración. Una historia muy lineal, poco interesante, sin sorpresas. Hay, por utilizar un término moderno, mucho postureo en la protagonista, no en su actuación sino en las pretensiones de la directora respecto a lo que quiere contar. Se me antoja incluso una película fría con un tratamiento muy naif de casi todo lo que ocurre.

Debe ser una broma de mal gusto nominar esta película a mejor dirección al lado de Dunkerque (no he visto las demás nominadas en la categoría). Pero bueno, sin callarme nada porque ya no estoy por la labor de la corrección política, la tiranía de estos tiempos, da la sensación de que la película está aquí para cubrir cuota. Bueno, también cubre la otra cuota, la del cine independiente.

5/10 - Pasable


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Blade Runner 2049 (2017)
Dir. Denis Villeneuve


Una amplia reseña de la película en esta entrada




8/10 - Notable


















Nº de películas reseñadas en el blog: 369

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martes, 27 de febrero de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº XCV)

Fecha estelar: -304842.8
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Películas reseñadas:

- Dunkerque (2017)
- Thor Ragnarok (2017)
- House of the Disappeared (2017)



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Dunkerque (2017)
Dir. Christopher Nolan

Aviso: esta será una reseña incompleta sobre Dunkerque.

Solo puede ser completa si la película se visiona en las condiciones para las que, muy especialmente en esta película, Christopher Nolan la ha rodado, que no son otras que una gran sala de cine de gran formato y resolución. Hay que ser muy consciente de que ver y oír Dunkerque en el salón de tu casa, por muy buen sistema de televisión plana y grande que dispongas, no se acerca lo más mínimo a contemplar y escuchar lo que esta película de verdad ofrece. Es como ver Lawrence de Arabia en la televisión, que es como siempre y por desgracia he podido ver la película de David Lean. Al menos es posible comprobar, incluso en pantalla de televisión, que Dunkerque recuerda en ocasiones visualmente a las películas de David Lean, muy especialmente los planos de las playas de La hija de Ryan.

Dejando a un lado la casi nula experiencia “inmersiva” que da ver la película en las condiciones no adecuadas que, evidentemente, dará como resultado una viciada valoración de la película, Dunkerque resulta ser un film con aspectos muy destacables, pero también con otros discutibles en cuanto a su resultado final en la película. Y no son precisamente fallos porque son decisiones premeditadas del director de la película. Una de dos, o no he visto la película que esperaba o no se sabido percibir del todo lo que el director ha querido contar.

Resumiendo mucho la idea: parece que Nolan ha tirado por hacer una película centrada en las vivencias de personajes concretos, intimista, dejando a un lado la gigantesca realidad de lo que fue Dunkerque. Es una película contradictoria. Por poner un ejemplo, todo el diseño de producción, el cuidado de pertrechos, uniformes, barcos, uso de aviones reales, “poco” efecto digital, mostrar los enfrentamientos aéreos más realistas, todo esto da a la película sensación de autenticidad, de fisicidad real. Sin embargo, quizás un poco de CGI no habría venido mal para mostrar más gente y barcos en las playas, para acercar más lo que se ve a lo que ocurrió en realidad y que se puede ver en fotografías y documentales. El hecho de que no aparezcan así es una decisión premeditada porque hoy día hay medios y seguramente Nolan no ha querido llevar la historia por ese camino sino más bien por el de focalizar la visión de la retirada de Dunkerque a través de la supervivencia de personajes concretos. También, quizás, porque por muy bien que se haga, lo digital se sigue notando y se resta autenticidad a lo que se ve. Lo que no se entiende, al menos en mi caso, es cuál ha sido el motivo o qué se ha pretendido con la falta de crudeza en las imágenes, sobre todo en las playas. Por poner un ejemplo cercano, Dunkerque es una película que está en las antípodas de la última que ha rodado Mel Gibson, Hasta el último hombre. En Dunkerque, una película de género bélico, cuesta encontrar una gota de sangre, no se percibe que se esté trasladando, durante una semana, a más de trescientas mil personas en una operación en la que participó un buen número de destructores y mucho mayor de barcos confiscados mercantes y de pasajeros. Y también en los últimos días, de pequeños barcos particulares. Y todo esto dejando a un lado la particular visión que se está dando de la historia, que se supone que está basada en hechos reales pero que deja a un lado toda la parte francesa cuando en esta retirada también fueron evacuados más de cien mil soldados franceses y belgas. Aquí está buena parte de la contradicción, porque la película consigue realismo y autenticidad gracias al esfuerzo de producción, pero luego lo pierde por estos motivos resultando una película discordante. Llegados a este punto, se puede alabar de nuevo la autenticidad de rodar en las playas de Dunkerque, sin embargo se muestran planos donde se ven edificios modernos de hoy día, no de los años de la guerra, y se nota, se nota mucho. Un retoque digital aquí no habría venido mal porque ves las imágenes y tienes la sensación de que algo no cuadra. Menos mal que son pocos planos.

Dunkerque es una película con una narrativa fundamentalmente visual, utiliza incluso recursos del cine mudo y en esto es muy buena. De los tres hilos narrativos que cuenta el que sobresale con diferencia es el de la batalla aérea, los otros dos pues poco destacables. Las tres historias van con su hilo temporal diferente y aparecen entremezcladas, algo en lo que Christopher Nolan es experto viendo algunas de sus películas anteriores. Pienso, quizás, que aquí también recurre a esta estructura consciente de la poca enjundia, incluso poca lógica, que tienen algunas vivencias que desarrolla en la película. Sobre todo en algunas partes del periplo de los dos protagonistas que quieren salir de las playas. Desmenuzar tres historias con tiempos diferentes, barajarlas de una manera dirigida, al menos te tiene entretenido mientras tu mente va componiendo el puzle. Pero aquí hay algún aspecto que se queda cojo, la película no llega a las dos horas y da la sensación de que hay corte. Este aspecto, el juego de la historia con el tiempo real es casi una marca del director, que en ocasiones queda de fábula (Origen, Interstellar) y en otras, como aquí, maquilla de alguna manera la simplicidad de lo que en realidad se está contando.

Hasta ahora el cine de Nolan, un director del que ha sido posible seguir toda su filmografía como director desde 1998, siempre me ha parecido como mínimo interesante, tal como ocurre en Dunkerque, notable en un par de películas y altamente sobresaliente en Interstellar. Lo que no se puede negar es que Chistopher Nolan es un director de cine, tiene su propio sello y personalidad. Las películas que dirige sí son verdadero cine. Y una pena no poder ver esta película en un cine de verdad.

6/10 - Interesante



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Thor Ragnarok (2017)
Dir. Taika Waititi

No sé cuántas películas habrá producido Marvel en los últimos años porque ya he perdido la cuenta. Salvo alguna excepción, y sin que fuera para saltar de alegría porque ni me acuerdo de ella, lo lo cierto es que creo que siempre estoy viendo, más o menos, la misma película. El más o menos se refiere a si lleva más o si lleva menos humor, chistes, chascarrillos de superhéroes. Lo malo es que lo del humor es muy relativo y aquí yo veo gracias demasiado infantiles, como una especie de Thor Ragnarok 33 1/3.

De hecho, ése es el problema, que la película es más infantil todavía que las demás de esta productora. Si tuviera 10 ó 15 años seguro que la habría disfrutado mucho más, como así ocurría con las películas de este tono que, cuando tenía esa edad, recuerdo haber disfrutado y que ahora casi es mejor no volver a ver. La mayoría de ellas, no todas.

El caso es que la disneyzación de la productora implica que sus películas deben ir dirigidas a un amplísimo espectro de edades. Pero en el caso de Thor Ragnarok se deja muy poco para el adulto, por lo menos para mí. Es de un desarrollo tan previsible como monótono, con personajes que han pasado a ser caricaturas y que básicamente no importan ni una pizca. Y lo que se está contanto todavía importa menos. Puedo salvar a Galadriel en algunos momentos. Lo del alivio cómico que es Hulk en esta película tiene momentos de auténtica vergüenza.

Muy pobre me resulta una película a la que solamente no le puedo reprochar la impecable factura técnica que tiene y que permite, al menos, contemplar un par de planos-estampa para guardar como fondo de pantalla. De ahí que se pueda calificar de pasable y no de película mala. Porque Thor Ragnarok no es una mala película, es una buena película intantil/juvenil.

4/10 - Pasable


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House of the disappeared (2017)
Dir. Lim Dae-woong

Aviso: aunque la reseña no cuenta nada que no esté escrito en la sinopsis de la película, sí que se hace mención a otro producto televisivo en cierto modo relacionado, cuyo contenido es revelador si se conoce el final del mismo. Se puede considerar, por tanto, que hay spoiler.

Mi inicial acercamiento a House of the disappeared no tiene otra razón que se trata de una película surcoreana de intriga, género y lugar que no suelo dejar pasar si la película es accesible por estos lares tan alejados del país de origen. Dentro del género hay muchas películas surcoreanas que no tienen nada que envidiar a cualquier buen thriller occidental, más bien al contrario. Aunque no es el caso de House of the disappeared, sobre todo en sus dos tercios iniciales, que es casi toda la película. Sin embargo, la resolución final de la historia sí que me ha sorprendido por la coincidencia en un crucial aspecto con otro exitoso producto de este mismo año.

Cuando empieza la película parece que el asunto va a ser, otra vez, una historia de casa encantada y de fantasmas. De hecho la película en todo su desarrollo es de lo más convencional dentro de este tipo de productos, con sustos que se ven de lejos, subidas de volumen y una casa con sótano que tiene menos luz que una osera. Todo suena a muy visto. En cualquier caso, llama la atención que, siendo coreana la película, la familia protagonista sea católica practicante. Pero bueno, el catolicismo también está presente en Corea (del Sur, claro) y se puede leer que es una doctrina religiosa que ha crecido bastante en el país en los últimos años. Sin embargo, el motivo del catolicismo de la familia protagonista es otro. Leyendo después algo sobre esta película, descubro que es un remake de una película venezolana del año 2013, La casa del fin de los tiempos del director Alejandro Hidalgo, que también firma el guion. Es la primera noticia que tengo de esta película venezolana, pero visto el tráiler de la misma se puede decir que, aparentemente, la adaptación coreana es bastante parecida, incluyendo la religión.

Y mientras, la película sigue avanzando entre lo pasable y el déjá vu. Entonces es cuando decide afrontar su resolución final, que es, con diferencia, lo mejor del film, lo que permite subir del regular al interesante. Es cuando, si se puede decir así, empieza a verse todo desde otro ángulo, cuando los detalles que se han ido dejando empiezan a cuadrar, cuando se dispara la atención. Supongo que el más avispado se lo puede esperar, pero no es mi caso. Será porque la convencionalidad de lo visto hasta entonces ayuda a mantener la guardia baja. Y además, al final interés en la película sube enteros porque me es inevitable establecer un paralelismo entre la serie alemana Dark (2017) y lo que estoy viendo aquí. O dicho de otra manera, que la película venezolana fue primera, la serie alemana tiene una idea muy parecida a la que aparece en La casa del fin de los tiempos para crear su propia trama. Pero bueno, seguro que hay más productos más anteriores todavía que también cogen en parte esta idea.

6/10 - Interesante







Nº de películas reseñadas en el blog: 366

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martes, 20 de febrero de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº XCIV)

Fecha estelar: - 304861.9
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Películas reseñadas:

- Barry Seal: El traficante (2017)
- The Truth Beneath (2016)
- New Trial (2017)



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Barry Seal: El traficante (2017)
Dir. Doug Liman

Segunda colaboración de Tom Cruise como actor principal y Doug Liman a la dirección después de Al filo de mañana (2014), una buena película altamente recomendable. Como también lo es esta Américan Made, una especie de biopic sobre el piloto Barry Seal que huye de cualquier convencionalismo asociado a películas biográficas.

Se opta aquí por narrar la historia de Barry Seal con mucha coña pese a la seriedad y consecuencias reales de las actividades del protagonista. Lo cual no quita peso a las cargas de profundidad que se lanzan respecto de las actividades gubernamentales americanas en Colombia y América Central durante los años ochenta.

Un Tom Cruise muy correcto y solvente, una buena dirección y montaje para una película que no aburre en ningún momento gracias, también, al buen guion en el que se asienta, bastante "didactico", por cierto, en el que no te pierdes. Con unas formas muy herederas del "estilo Scorsese" a la hora de narrar la historia, contada por el propio protagonista nada arrepentido de la vida que está llevando. Y una vida muy loca, porque pese a la cantidad de acción que hay aquí y al humor con que es presentada, la etiqueta de "basado en hechos reales" solo te puede dejar intranquilidad ante la respuesta a la pregunta: ¿pero, en qué manos está el manejo (bajo cuerda, oculto) del mundo?
Hay cosas que estas viendo que de puro hilarantes o increíbles no puden haber ocurrido así. O sí, porque ya se sabe, la realidad supera.... Lo de la huída en bicicleta es muy fuerte.

7/10 - Buena



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The Truth Beneath (2016)
Dir. Lee Kyoung-mi

Un presentador de noticias se presenta a la elección de la Asamblea Nacional Coreana disputando el puesto a un experimentado político. Su esposa le apoya y representa junto a su marido un matrimonio perfecto. El día que empieza la campaña desaparece su hija adolescente, Min-Jin. En un principio casi nadie da importancia pues Min-Jin ha tenido en el pasado algún episodio parecido. Aunque Min-Jin es ahora una estudiante ejemplar, no siempre fue así. Es la esposa, Yeon-Hong la que se involucra en intentar encontrar a su hija.
Éste es el punto de partida de esta interesante película surcoreana que empieza como un thriller político pero que pronto va derivando hacia la resolución del misterio de la desaparición de la hija. Sin embargo, tal como ocurre con muchas películas de este estilo, y más surcoreanas, el desenredo de la historia se realiza abusando del flahsback que solo cuenta parte de lo que interesa y al que se vuelve en otro momento para seguir contando otra parte, etc. Demasiado enredo para lo que luego resulta en realidad. Además, habría gustado un mayor desarrollo de la relación entre las dos adolescentes que solo es apuntada de forma entrecortada en los diferentes flashbacks.
Según se puede leer por Internet, Lee Kyoung-mi es una directora/actriz/guionista que trabajó como guionista y asistente de dirección con Park Chan-wook en "Sympathy for Lady Vengeance" (2005). Y la influencia visual del estilo de Park Chan-wook en la película se puede apreciar en algunas escenas, en su composición, o al menos así me parece.
Lo que no se puede negar es la buena factura técnica de la película, y sin escatimar en el tremendismo y visceralidad en los enfrentamientos. Casi se puede decir que no hay nada más peligroso que un coreano con un martillo o un cuchillo de cocina, . Los thrillers surcoreanos casi que tienen sus propios códigos. Los fabrican como churros y muchos son muy buenos. Otros, como ocurre con "The Truth Beneath", no llegan a tanto, pero son interesantes, no aburren y cumplen su propósito.

6/10 - Interesante




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New Trial (2017)
Dir. Kim Tae-Yun

En general, cuando un drama desde el principio te "amenaza" con el cartel de "basado en hechos reales, se han cambiado los nombres para preservar la privacidad y tal y tal...", te puedes echar a temblar. Es cierto que en ocasiones la realidad supera cualquier ficción, pero son casos excepcionales. Lo más normal es que ante unos hechos más o menos interesantes el devenir de los mismos vaya por caminos más o menos normales, sin demasiadas sorpresas, aunque se trate de un caso de asesinato.

En el caso de "New Trial" el director y guionista Kim Tae-Yun consigue al menos que esta historia sobre un adolescente que paga muy caro el estar en el sitio y en el momento equivocado, la corrupción policial y judicial y la batalla de un abogado por reabrir el caso resulte, como poco, interesante y entretenida. Lo consigue, desde luego, porque estructura las líneas generales de la historia de la misma manera a como la hemos visto en muchas ocasiones en otras películas con abogados casi desahuciados que afrontan una especie de reto personal por defender causas claramente perdidas. En estas películas las etapas por las que debe pasar la historia parecen claramente definidas. El escollo, que esta película salva bien, está en si los personajes resultan interesantes y llaman la atención, si evolucionan en sus relaciones y personalmente, básicamente en si se ha realizado un buen guion a partir de la historia real. No elude momentos de humor ni tampoco se ceba en el dramatismo, una película que está bien dirigida y donde los actores principales resultan creíbles en sus papeles.

6/10 - Interesante






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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -