martes, 26 de diciembre de 2017

Nausicaä del Valle del Viento

Fecha estelar: -305014.1
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Aviso a navegantes: en esta entrada se revelan las líneas generales de la historia narrada en el manga de Hayao Miyazaki.


Edición Integral de Nausicaä
Estos días, con motivo de la adquisición (tiempo ha) de la edición integral y numerada de la editorial Planeta, estoy leyendo Nausicaä. Un trabajazo de Hayao Miyazaki que le llevó doce años (1982-94), con una historia mucho más interesante y compleja que la que aparece en el anime del mismo autor.

El propio Miyazaki comenta la idea de contar la historia de Nausicaä como un personaje conformado a partir de dos: Nausicaä la princesa de los feacios que aparece en La Odisea, descrita a través de un libro de Bernard Evslin, y también a partir de La princesa que ama a los insectos, una heroina japonesa que aparece en una antología de cuentos antiguos. Miyazaki comenta sobre la idea lo siguiente:

"Ese fue mi último acto de brillantez, ya que una vez más me he dado cuenta, amargamente, de mi falta de talento y he recordado el motivo por el que hace mucho tiempo decidí que el manga no era lo mío"

Quizás se refiera el cuento antiguo japonés que menciona Miyazaki a Tsutsumi chunagon monogatari, una colección japonesa de relatos cortos del periodo Heian (794-1185) de diversos y desconocidos autores, en su mayoría. Esta colección de cuentos contiene el cuento Mushi mezuru himegimi (La dama que amaba los insectos), del siglo XII. Ediciones Satori lo tiene publicado en España, una edición del año 2015.




Mirai Shônen Konan
Conan, el niño del futuro, 1978)
Nausicaä del Valle del Viento es un manga de una imaginación impresionante. Y ya contiene casi todos los aspectos que podemos recordar de Miyazaki como autor de películas imperecederas: mundos postapocalípticos, los aparatos voladores y el mundo de la aviación, el steampunk, la destrucción de la naturaleza por mano del hombre y la reacción de la propia naturaleza, la fortaleza y la integridad de los personajes protagonistas, sobre todo femeninos. También la presencia de robots destructores/dioses gerreros, la destrucción por la tecnología, etc, etc... Pero también podemos pensar en algún antecedente a Nausicaä también presente en la propia obra de Miyazaki. Un antecedente muy claro que anticipa buena parte de lo que se puede ver en Nausicaä es la serie de TV Mirai Shônen Konan (Conan, el niño del futuro, 1978). Importante y olvidada serie que dirigieron Hayao Miyazaki, Keiji Hayakawa e Isao Takahata. La serie también es clara precursora de Tenkû no Shiro Rapyuta (El castillo en el cielo), película que Miyazaki dirigió en 1986 y que es considerada  la primera película del estudio Ghibli.

Gunship del Valle del Viento

Volviento a Nausicaä, la película que Miyazaki hizo sobre su historia fue Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento, 1984). En muchos círculos se considera como casi pre-inauguradora de la actividad del estudio Ghibli pues fue estrenada un año antes de la fundación del estudio, es decir, la película se estrenó diez años antes de la finalización del manga. De hecho la película es como una versión resumida de los dos primeros tomos de un manga que consta de 7 volúmenes. La versión integral de la cuidada edición que ha publicado Planeta consta de 1104 páginas.





No obstante Miyazaki menciona (entrevista con Hayao Miyazaki por Ryo Saitani, del ejemplar de enero de 1995 de Comic Box fanzine) que cuando estaba dibujando el manga no tenía en mente que se pudiera convertir en una película animada. El asunto de la película surgió porque no  tenía otro material sobre el que hacer una película en ese momento, pero también incide en que un comic realizado con intención de hacer una película del mismo, resulta poco interesante. No es éste el caso de Nausicaä. Al igual que ocurrió con el Akira de Katsuhiro Ōtomo, el manga se finalizó después de la película y desarrolla la historia de una manera algo distinta en Akira y mucho más compleja y coral en el caso de Nausicaä.

El argumento del manga, que aparecerá a continuación, ofrece la línea general de toda la historia y es el que aparece a fecha de hoy en la Wikipedia en español. Por tanto, y en cierto modo, se puede considerar como bastante revelador (spoiler) aunque lo cierto es que lo disfrutable del manga es el dibujo y el desarrollo de la historia en viñetas. Lo pongo en cursiva por si el lector desea saltarlo:

Nausicaä es la princesa del Valle del Viento, un pequeño estado en la periferia de un reino una vez conocido como Eftar, que fue engullido por la Zona Contaminada 300 años antes de los sucesos narrados. Los líderes de estos reinos de la periferias son vasallos del Emperador de Tormekia, y están obligados a enviarle refuerzos cuando él decide atacar al reino vecino de Durku. Los de Tormekia tienen un potente ejército tradicional, pero los de Durku han desarrollado una versión genéticamente modificada de un moho de la Zona Contaminada para vencer a sus invasores. Cuando lo introducen en la batalla, su multiplicación y mutación sobrepasan la capacidad de control de los Durku y termina en un "Daikaisho", que no es más que una ola inmensa de insectos que invaden la tierra (en este caso para "comerse" al hongo mutante). Al hacerlo, la jungla se extiende aún más por la nación Durku, desplazando y matando a un gran número de civiles y convirtiendo la mayor parte de la tierra en estéril.

Sin embargo, el uso del hongo para fines bélicos molesta mucho a Nausicaä, cuyos frecuentes viajes al bosque le han enseñado que la finalidad real del mismo es purificar el planeta de la contaminación de los días antiguos. El Pueblo del Bosque confirma esta suposición de la protagonista y Selm le muestra una visión del terreno restaurado en el centro de la selva. Nausicaä viaja al corazón del territorio Durku para buscar a los responsables de manipular el moho, reclutando en el camino a un Dios Guerrero encontrado en las profundidades del reino de Pejite para abrirse paso entre las fuerzas de Tormekia y Durku.
A pesar de la pérdida de algunos de sus compañeros, al final llega a Shua, la Ciudad Santa de Durku, donde encuentra la verdad sobre la Zona Contaminada, el moho, lo que ha pasado en el mundo, y lo que está por venir aún.


La mayor parte del manga fue dibujado a lápiz por Miyazaki en un tamaño A4 muy poco habitual en este tipo de publicaciones. Tiene un dibujo muy detallista de paisajes imposibles de la zona contaminada y de sus criaturas, y algo meno detallado de las naves voladoras y zonas civilizadas. Todo en  blanco y negro, con un gran trabajo de sombreado.También es destacable el trabajo de diseño de vestuarios o uniformes, diferentes entre los distintos reinos o culturas.




Pincha sobre la imagen para ampliar

El manga se publicó en Japón a lo largo de 12 años, desde 1982 a 1994. Su publicación sufrió algunos parones porque, repasando la filmografía de Miyazaki a lo largo de esos años, además de la película sobre Nausicaä nos regaló la serie para TV  Sherlock Holmes (1984) y cuatro películas imprescindibles: El castillo en el cielo (1986); Mi vecino Totoro (1988); Nicky, la aprendiz de bruja (1989) y Porco Rosso (1992). Después de terminar Nausicaä vino Mononoke Hime (1997), una obra maestra que en cierto modo y en muchos aspectos es  una revisitación a lo que se puede ver en el manga, sobre todo por la parte de la relación del ser humano con la naturaleza. Además, es imposible no relacionar a las protagonistas Nausicaä y Mononoke o también la fortaleza de mi personaje favorito del manga, Lady Kushana con Lady Eboshi, regidora de la ciudad de hierro. Y hay más personajes secundarios que son "paralelos" entre las dos historias, Kurotowa sin ir más lejos, el oficial y espía del rey Vu de Tormekia, está siempre cerca de Lady Kushana al igual que hace Gonza, el guardaespaldas de Lady Eboshi en Mononoke Hime.

Una idea muy interesante en esta historia es el de la jungla tóxica o zona contaminada. Son las viñetas que mejor aparecen dibujadas. Es una selva con árboles de gran tamaño que se reproducen por esporas, además de la existencia de extrañas plantas y hongos. En la selva corrupta viven insectos de tamaños diversos, desde minúsculos a inmensos. Entre estos insectos están los Ohmu, segmentados con forma de gusano de tamaño descomunal. Tienen 14 pares de patas y 14 ojos que pueden mostrar por su color su estado amistoso o no. Entre los insectos que habitan la selva corrupta son los que muestran inteligencia y Nausicaä es capaz de poder comunicarse con ellos. En lo más profundo de la selva corrupta, que provoca la muerte a todo aquel que respira sus efluvios, se esconde un secreto....


Nausicaä se adentra en la selva corrupta

La gente del bosque

Nausicaä y el dios guerrero
Desde el punto de vista de la ciencia ficción, también resulta muy interesante el tratamiento que se hace del uso de la ingeniería genética y de la clonación en el reino de Durku (Dorok). También es interesante la idea del uso de máquinas con tecnología avanzada, fundamentalmente máquinas voladoras de las que no se conoce el fundamento ni funcionamiento ya que no son más que restos de una sociedad muy avanzada e industrializada que pereció después de los "siete días de fuego". Intentan repararlos cuando se averían, pero no tienen capacidad de fabricación de las máquinas. Entre estas máquinas sobresale sobre todas el dios guerrero, un ser biomecánico responsable, junto con otros más como él, de la destrucción de los "siete días de fuego".

Lady Kushana en acción





Un manga imprescindible



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lunes, 18 de diciembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXIX)

Fecha estelar: -305036.2
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Películas reseñadas:

- Detective sin licencia (1971)
- 13 Tzameti (2005)
- Memoir of a Murderer (2017)


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Detective sin licencia (1971)
Dir. Stephen Frears

Primer trabajo en la dirección de Stephen Frears para una película que parece una especie de homenaje a las películas de cine negro en las que Humphrey Bogart hizo de Philip Marlowe. De hecho, en su versión original, Albert Finney imita en bastantes ocasiones la voz y las formas de hablar de Bogart. Además de que no deja la gabardina en ningún momento.

El film en general no está mal y resulta hoy interesante casi como documento histórico, por ver las calles del Liverpool de 1970 con edificios que ya no existen y al ritmo de la música de la época. También parece ser que la librería de Londres (The Atlantis Bookshop) que aparece en la película es muy conocida por sus dedicación al esoterismo. Asi mismo, la película es un homenaje a las novelas baratas de detectives (pulp), cine llamado hoy neo-noir. Pero el principal problema es que no encuentra un equilibrio entre la parte seria y la parte cómico-paródica que es donde suele estar más tiempo asentada. Aunque la película no aburre ni es larga, se hubiera preferido una evolución desde lo paródico hasta lo serio, aunque la trama que irá desvelando Albert Finney sea tan "barata" como las que aparecían en las novelas que quiere homenajear. Eso sí, utiliza en alguna ocasión un lenguaje racista que a más de uno hoy día, con la dictadura de lo establecido como "correcto" que vivimos, le puede dar algún mareo.

6/10 - Interesante



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13 Tzameti (2005)
Dir. Géla Babluani

Ópera prima del director nacido en Georgia y afincado en Francia. También firma el guion de la película y la protagoniza. Es precisamente aquí por donde puede cojear el producto, un actor demasiado inexpresivo que se nota forzado en las situaciones de mayor tremendismo.

La historia está situada en el año de su filmación, en el 2005. Sin embargo, está filmada en un blanco y negro que le da un tono parecido a las películas de cine negro francés de los años cincuenta de Jules Dassin, Rififi sin ir más lejos. Pero bueno, esta "asombrosa" asociación solo puede estar en mi cabeza porque lo que es evidente es que la falta de medios de la película hace que la supuesta contemporaneidad de la trama con los principios del siglo XXI solo se vea en los modelos de los automóviles y en el uso del teléfono móvil, porque lo que es a los escenarios de casas e interiores, la película parece de los años cincuenta del siglo pasado. Pero también se puede encontrar mucho paralelismo con aquellas películas en el parco uso de la palabra y en utilizar, a cambio, una narrativa visual dedicada a mostrar lo que está ocurriendo pero centrándose mucho en lo procedimental, aquí sobre todo en la forma en que queda contado el viaje que hace el protagonista en la primera parte del film. En este aspecto de la narrativa visual de los procedimientos, el cine el polar francés es imprescindible y Jean-Pierre Melville era un maestro de esa forma de hacer cine. Solo hay un par de instantes así en "13 Tzameti", pero menos da una piedra.

No tiene sentido contar nada de la trama, solo que el sorprendente giro que da la película (mejor no leer ni la sinopsis) no molesta para nada por la notable subida de tensión que propone la historia y lo bien que se mantiene hasta el final por no alargarse en lo innecesario. Su justa duración ayuda, su ritmo va de menos a más y no hay momento que se pueda decir que te saque de la historia.

No es spoiler, pero, por si acaso, lo aparto aquí:
Otra cosa es pensar a posteriori si lo que aquí se propone es factible en la realidad, no porque no se pueda hacer, sino por un problema de necesidad de simultaneidad en el tiempo, en un instante, de unos mismos hechos que deben ocurrir en menos de un segundo. Pero estos hechos dependen de demasiadas variables, demasiadas "cabezas" que van, cada una, a su manera.

7/10 - Buena


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Memoir of a murderer (2017)
Dir. Shin-yeon Won

No se debe confundir esta película con otra de título muy similar, Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie, 2003) de Bong Joon-ho. Este segundo título, del autor de The Host, Mother, Rompenieves y Okja, es la verdaderamente buena. La película de Shin-yeoh Won lo intenta, pero se queda muy pronto a medio camino.
La historia de un asesino en serie ya envejecido, que tiene Alzheimer y que duda de si está asesinando de nuevo o si se trata de otra persona, es presentada en la, ya podemos decir, típica película troceada y desordenada (¿deconstruída?). Esto ya es casi un sub-género dentro del thriller. En este caso una mezcla de Memento y Shutter Island a la coreana, mezclado con un tic intermitente a lo Scrat (Ice Age) y una sucesión de flashbacks interesadamente cortados a tiempo o revisados de nuevo en la forma que interesa en el momento, que no todo se va a desvelar desde el principio. Pero el intento es vano porque una constante de muchas películas de acción/thrillers surcoreanos es que no son buenos en sus resoluciones, son buenos en su planteamiento pero muy predecibles en el tipo de traca final. Por eso, al principio, mientras se va presentando la premisa, la película va muy bien, pero la deriva va demasiado encaminada a la trampa porque la historia se alarga demasiado con más de lo mismo, más intento por intrigar y confundir cuando ya tienes claro qué es lo que va a ocurrir, que la película termina de la manera más predecible posible.

4/10 - Regular






Nº de películas reseñadas en el blog: 348

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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



martes, 12 de diciembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXVIII)

Fecha estelar: -305052.4
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Películas reseñadas:

- En este ricón del mundo (2017)
- El Cairo confidencial (2017)
- La suerte de los Logan (2017)


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Kono Sekai no Katasumi ni
En este rincón del mundo (2016)
Dir. Sunao Katabuchi


Una reseña a la película aquí















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El Cairo confidencial (2017)
Dir. Tarik Saleh

El director y guionista Tarik Saleh, nacido en Estocolmo y de origen egipcio, realiza este interesante thriller ambientado en la ciudad de El Cairo en los días previos a la revolución egipcia de finales de enero de 2011. Aunque en un principio parece que sí que pudo rodar en Egipto, finalmente el permiso fue cancelado y terminó rodando la película en Marruecos.

El principal problema de "El Cairo confidencial " (The Nile Hilton incident) es que no consigue centrar la historia del crímen. El director también está muy interesado en mostrar la corrupción del país a cualquier nivel, en mostrar el ambiente miserable en el que conviven los ciudadanos, la perversión y deshonestidad de la policía. Los dos temas resultan interesantes de por sí, pero la película pretende abarcarlo todo para, finalmente, quedar diluída en muy poco.

Fares Fares, actor sueco de origen libanes, conocido en mi caso por su participanción en la interesante trilogía danesa Misericordia/Profanación/Redención (2013-2015), presenta un atrayente y estoico papel mientras la película está centrada en el thriller, en la investigación policial con un tono a cine negro bastante reconocible. Lo malo es que la película se adentra muy poco en su personaje y su evolución en la historia no queda demasiado clara porque la película no está centrada en un solo asunto. De hecho, buena parte de sus viajes desde los barrios más bajos a los más ricos no parecen tener otro sentido que el mostrar la podedumbre de la sociedad a todos los niveles, porque, en lo que es a la cuestión policial, resuelven bastante poco.

Interesante, en cualquier caso, ver una película policiaca (al menos en parte) ambientada en un escenario muy poco común, diferente y muy desconocido por aquí.

6/10 - Interesante


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La suerte de los Logan (2017)
Dir. Steven Soderbergh

Vuelve Soderbergh a la dirección y lo hace en una especie de versión paleta (o sureña) de "Ocean's Twelve" que me ha resultado bastante mejor que la película que dirigió en el 2004. Como suele ser habitual en muchas películas de Shoderbergh, también en esta película se rodea de un amplio y conocido reparto en el que particularmente destaca Adam Driver. Y eso que su participación está bastante desaprovechada. Daniel Craig tiene pinta de habérselo pasado en grande en el rodaje. 

Una película con, aparentemente, pocas pretensiones gracias a lo cual resulta muy entretenida desde el principio hasta el final. Con un esquema bastante clásico en las películas de robos, el buen trabajo de dirección y de montaje dan con una película con buen ritmo y muy bien realizada, con un estilo muy clásico para este tipo de películas. Y con unos cuantos momentos hilarantes (casi se me atraganto con la carcajada por el momento GRRM) que hacen de "Logan Lucky" un producto interesante que te hace pasar un buen rato. Tal como está el cine americano/comercial hoy día, no es decir poco.

6/10 - Interesante






Nº de películas reseñadas en el blog: 345

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martes, 5 de diciembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXVII)

Fecha estelar: -305072.9
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Películas reseñadas:

- Valerian y la ciudad de los mil planetas (2017)
- Llega de noche (2017)
- Gru 3. Mi villano favorito (2017)


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Valerian y la ciudad de los mil planetas (2017)
Dir.: Luc Besson

Vuelve Luc Besson al Quinto Elemento, en cierto modo, pero con un pastizal para gastar. Pues sí, no se puede negar que la película es muy buena en el apartado visual y estilístico, que es donde más se parece a la película que Besson hizo hace, precisamente, veinte años. Los efectos especiales, la concepción artística son sobresalientes, como cabría esperar por otra parte con un producto que ha costado doscientos millones de dólares. Ahora bien, la película tiene claros problemas de aburrimiento y de actores.

El error en el caso de la elección de los actores me resulta evidente ya desde las primeras escenas donde aparecen. Eso que se dice de la "química" de la pareja protagonista resulta en este caso bastante nula, puro postureo (o posturitas) en la actuación de la actriz (Cara Delevingne) y mucha frialdad en el caso del actor. Sorprendente, porque Dane DeHaan me había resultado bastante mejor en su papel en la injustamente infravalorada "La cura del bienestar" de Gore Verbinski, de este mismo año. Pero bueno, tampoco es que el guion les permita mucho a los actores, que la película es una space opera con mucha acción y poca reflexión, como si lleváramos toda la vida por estos lugares.

Al principio canta David Bowie y, cuando termina de cantar, la película ya nos ha introducido en este mundo futuro. Bien. Aquí es donde está lo mejor de la película, y, si acaso, en su primer tercio, mientras se nos va presentando el universo holográfico y la estación espacial alfa. Todo está tan bien hecho e integrado que el barroquismo de los escenarios y de las imágenes te mantiene pendiente, y ello a pesar del mareante empeño por mover la cámara o hacer planos que solo duran segundos. Ahora bien, una vez pasado el viaje alucinatorio, una vez acostumbrado al mismo, la película pega un bajón considerable y se hace muy pesada. Particularmente a partir del momento en que aparece en escena un descontrolado Ethan Hawke y una Rihanna que viene a hacer de lo suyo. A partir de aquí, la verdad, es que ya me da todo igual, los personajes no enganchan y el bostezo asoma. Entonces empiezas a pensar en otras cosas, incluso te da la sensación o sospechas que por la película se pasea de vez en cuando Clive Owen, y también llegas a pensar que estas viendo como una especie de episodio de Rick y Morty pero con actores reales y sin gracia alguna. Al final, una película simplemente pasable.

5/10 - Pasable


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Llega de noche (2017)
Dir.: Trey Edward Shults

Partimos de la base de que no se debe ver el trailer de esta película. Visto a posteriori se puede ver que nos quieren vender una película de terror. Incluso el título y el póster parece que también van en el mismo sentido. Sin embargo, "Llega la noche" no es una película de terror. Salvadas las trampas resulta que es un thriller psicológico que te tiene en tensión en su primer y en su último tercio, con un pequeño bajón en su parte central.

El secreto, sin entrar en spoilers, es que explica poco pues la película empieza ya con los protagonistas inmersos en plena historia. No obstante, hay detalles que muestran que el director no es tramposo desde el principio, cuando nos hace un recorrido por un famoso cuadro pintado a finales del siglo XVI por Pieter Brueghel (no digo más) y que es indicativo de lo que está ocurriendo. Todo lo demás es manejar la información, manejar bien el rodaje en oscuridad, encerrar a sus personajes en un espacio y saber mostrar porqué se portan como lo hacen. Incluso se permite cambiar ligeramente la proporción de la pantalla para diferenciar entre unas situaciones y otras, lo cual le permite también recurrir a elementos típicos de las películas de terror. El resultado, una película que mantiene una tensión casi permanente, bastante bien llevada y resuelta.

7/10 - Buena



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Gru 3. Mi villano favorito (2017)
Dir. Kyle Balda, Pierre Coffin, Eric Guillon

La primera es una buena película, la segunda resulta ligeramente interesante, esta tercera entrega es bastante floja. Será que el chicle se ha estirado demasiado y las ideas se tornan de las baratas.
No es necesario extenderse demasiado, la película quizás resulte perfecta para familias de algodón de azúcar del país de la piruleta lleno de colores, afines a la ñoñería fácil de la que esta entrega abusa sobremanera.

La parte de las referencias que se dejan para que el adulto no se aburra y también pueda disfrutar de la animación resultan totalmente fallidas. Demasiado recurrente ya ultimamente, pesado incluso, el asunto de conocidos temas musicales que aquí no hay más remedio que poner para intentar llamar la atención. Más que nada porque hay muy poca gracia, ninguna en mi caso cuando se recurre básicamente a las bufonadas de golpes y porrazos. En cualquier caso esta franquicia es una máquina de hacer dinero por lo que no dudo de que tendremos más de lo mismo en sucesivas entregas.


La falta de ideas en el cine comercial está empezando a ser preocupante. Y muy preocupante en el caso del cine de animación norteamericano de amplia distribución.


3/10 - Floja






Nº de películas reseñadas en el blog: 342

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martes, 28 de noviembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXVI)

Fecha estelar: -305092.1
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Películas reseñadas:

- El caso de Hana y Alice (2015)
- Re-Animator (1985)
- Constantine (2005)



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El caso de Hana y Alice (2015)
Dir. Shunji Iwai

“El caso de Hana y Alice” (Hana to Alice Satsujin Jike), precuela de una película del mismo director (Hana to Arisu, 2004), es la primera incursión de Shunji Iwai como director en el terreno del largometraje de animación. Siendo Iwai un director centrado en realización de películas con actores reales, aunque ya había realizado una serie de cortos animados, su incursión en la animación está justificada por su deseo de que en la película participaran las mismas protagonistas que en su exitosa película del 2004 y no solo utilizando sus voces. Siendo evidente que las protagonistas tienen once años más y que no es posible hacer una precuela con personas ya adultas vestidas como estudiantes de secundaria, el director decide utilizar la técnica de la rotoscopia para dibujar sus personajes animados sobre actores reales. También pinta los fondos y escenarios utilizando un acabado de acuarela que queda genial. Cuando experimenta y hace encuadres complicados, con sus consiguientes movimientos de cámara, utiliza el ordenador y hay varios momentos en que se nota. El resultado de la rotoscopia con los personajes humanos y objetos que se mueven no es del todo satisfactorio (siempre en mi opinión) en algunos aspectos. Sí es verdad que consigue que los movimientos humanos (andar, correr, saltar,…) resulten como muy naturales, pero la gestualidad de los rostros pierde mucho. No obstante esta película tiene una cierta peculiaridad en las caras y los gestos que, una vez aceptada, resulta incluso agradable. (No es muy habitual la utilización de esta técnica de la rostoscopia para absolutamente toda la animación de un producto, últimamente recuerdo la interesante serie del año 2013 de Hiroshi Nagahama, “Aku no Hana” (Flowers of evil) que sí que conseguía una mejor animación de los rostros en primeros planos).

Dejando a un lado el asunto de la animación, lo que hace buena esta película es ver cómo consigue Iwai captar la idea del nacimiento de la amistad entre dos adolescentes. No suelo acercarme mucho a productos que, aparentemente y desde lejos, parecen claramente encaminados a una demografía tan concreta como la adolescencia femenina (Shōjo). Es muy habitual la separación del anime en multitud de géneros y es muy útil para poder elegir más fácilmente entre una multitud de productos. Ciertamente es un criterio por el cual habría cometido un gran error con esta película. En el film de 2004 el punto de partida es que Hana y Alice ya son amigas inseparables; en esta precuela, “El caso de Hana y Alice” nos cuenta el nacimiento de esta amistad a través de, una vez más, una historia del género “vida escolar” tan prolífico en películas y anime. Iwai, que también firma el guion, tiene muy claro qué es lo que quiere contar y cómo lo va a contar. Son adolescentes que se comportan como tales y la película da una sensación de verosimilitud para estos personajes inmersos en una historia que mezcla con acierto la intriga, la comedia, la vida urbana y la cotidianeidad. Claro que toda esta mezcla no es más que el marco en el que finalmente se va a gestar una aventura de la que florecerá una amistad de la forma más natural del mundo. El punto a favor de esta película es que Shunji Iwai consigue hacer llegar esta naturalidad con una sutileza admirable, no fuerza las situaciones, no se decanta por la sensiblería, el secreto está en saber mostrar los detalles, saber llegar al corazón del espectador sin que sepa realmente cómo lo ha conseguido. Saber mostrar la naturalidad de la vida como lo hace Iwai en esta película no debe ser nada fácil y está al alcance de pocos. Y la prueba está en que el mundo del cine está lleno de direcciones pretenciosas, que es todo lo contrario a lo que ocurre con esta película.

7/10 - Buena



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Re-Animator (1985)
Dir.: Stuart Gordon

Entre 1921 y 1922 H. P. Lovecraft publicó un relato corto de terror en seis capítulos titulado “Herbert West: Reanimador”. En estos capítulos se relatan las “aventuras” del narrador del cuento y del doctor West reanimando cadáveres gracias a un suero ideado por el doctor. Basándose en este relato corto, en 1985, se nos presenta “Re-Animator”, una película que tuvo mucho éxito por entonces tanto en cines como, y sobre todo, en el videoclub. Una carátula más que atrayente y el nombre de Lovecraft en la misma era más que suficiente para agarrar la cinta de las estanterías. Y más de una vez, porque la combinación de terror, mucho gore, la chica con muy poca ropa o ninguna y un humor bastante negro la hacían película perfecta para alquilar para una sesión doble de sábado noche invernal.

No nos engañemos, la película toma muy poco del relato original de Lovecraft aparte del nombre de algunos protagonistas o el guiño a la Universidad de Miskatonic (es la primera vez que aparece este nombre ficticio en un relato de Lovecraft). Se trataría más que nada, sospecho, de poner el nombre del escritor de Providence en los créditos y posters con el objeto de atraer más público. También se puede decir, quizás, que la narcisista personalidad del doctor West está inspirada en el relato, o el asunto del cadáver decapitado (solo la idea, claro) que también utilizó Lovecraft en los dos últimos capítulos de su relato, pero lo cierto es que la historia que se cuenta en Re-Animator es muy simple, la verdad.

Vista hoy día, Re-Animator solo envejece mal por algún aspecto “cutre”, pero en general mantiene su gracia. Eso sí, terror poco. Y ello a pesar de que en su tiempo recuerdo que la película sí que me causó repelús. Cosas de la edad. No es una película larga (la primera versión, porque hay por ahí una copia de 105 minutos) y lo mejor que se puede decir es que no aburre. No hace falta pensar mucho, que todo es muy loco y mantiene fresco un humor bastante negro. Incluso cuando no lo pretende porque hay una escena con un gato negro atacando al doctor West que es descojonante. Los créditos iniciales son bastante buenos aunque molesta especialmente el plagio consciente que hizo el autor de la música de esta película al tema principal de Bernard Hermann para Psicosis (1960).

Después vino “La novia de Re-Animator”. Creo que esa es mejor no revisitarla…. O sí, ya veremos.

6/10 - Interesante




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Constantine (2005)
Dir. Francis Lawrence

Pues empieza bien, Keanu Reeves es como es y está más que aceptado en su idiosincracia. Aquí parece que se ha salido del plató de Matrix, se ha pasado por el de Blade a coger unas pistolas y se ha metido en Constantine a cazar demonios. Y todo ello sin cambiar el gesto.

La película resulta entretenida, tiene buenos efectos, los personajes que ayudan a Constantine están bien casi todos y sale Rachel Weisz, ¿qué más se puede pedir? Pues quizas cabría preguntarse para qué está Shia LaBeouf, que aparce y desaparece en la película como el Guadiana, o también qué es lo que se tomó Peter Stormare antes de aparecer por aquí. Aunque estos no dejan de ser más que un par de detalles porque lo que verdaderamente hay que preguntar es porqué casi todas las películas sobre advenimientos de demonios tienen siempre el mismo guion y terminan igual, con sacrificios y tracas del mismo calibre. Mismamente se me viene ahora a la memoria El fin de los días. Aquella sí que tenía traca y no solo al final, como correspondía a una peli del Chuache de aquellos días.

5/10 - Pasable







Nº de películas reseñadas en el blog: 339

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martes, 21 de noviembre de 2017

En este rincón del mundo (2016)

Fecha estelar: - 305111.2
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Kono Sekai no Katasumi ni
En este rincón del mundo (2016)
Dir. Sunao Katabuchi





“En este rincón del mundo” es el tercer largometraje del director japonés Sunao Katabuchi después de que en el año 2009 dirigiera “Mai Mai Miracle”, una película sobre el nacimiento de la amistad entre dos niñas, y en 2001 “Princess Arete”, una joyita sobre una princesa y la hechicería que es necesario reivindicar pues, a pesar de lo que pueda parecer, no es precisamente una película infantil (una pequeña reseña en este mismo blog aquí). Entre todos estos años Sunao Katabuchi también ha co-dirigido con Tetsuro Araki (Ataque a los Titanes, Death Note) la serie Black Lagoon (2006) y unos ovas posteriores (2010). 

No es precisamente nada parecido el tono y la violencia de Black Lagoon a lo que podemos ver en “En este rincón del mundo”. Y es que parece, al menos hasta ahora, que podemos diferenciar entre los trabajos televisivos y los trabajos cinematográficos del director. Resulta curioso comprobar la miscelánea que hay en la carrera de Katabuchi, que figura en sus comienzos como director en una adaptación animada de la perra Lassie y que, por otra parte, también figura como dibujante de storyboard en la perversa y buena serie “Gunslinger Girl” (2003).



En cualquier caso, respecto de los trabajos cinematográficos anteriores de Katabuchi, “En este rincón del mundo” supone un claro paso adelante y, además, muy valiente en base a que la temática que ha tomado nos permite ver el punto de vista japonés respecto del padecimiento que sufrió durante los bombardeos norteamericanos. Y no se trata precisamente de una película maniqueísta, que el asunto no va por ese camino. “En este rincón del mundo” es una película tremendamente conmovedora de principio a fin, desde su inicio como un relato costumbrista y social de la familia media japonesa en el sur del Japón (en Hiroshima y en Kure) durante los años de la guerra, hasta el devastador final que supusieron los bombardeos norteamericanos de la zona a finales de 1944 y principios de 1945 y que culminaron con el lanzamiento de la bomba atómica. El conocimiento de la historia real hace que el desasosiego avance a la vez que lo hace la película, además es pretendido porque siempre sabemos en qué fecha está ocurriendo todo lo cual acelera la impaciencia por conocer el destino de los personajes, las dos familias que conforman la historia y, principalmente, el de Suzu, una chica inocente y despistada que a los 18 años se ve “obligada” a casarse de acuerdo a las costumbres matrimoniales de la época. Dotada de una gran imaginación, Suzu casi siempre está en la Luna, lo sabe reconocer mientras disfruta dibujando tanto lo que ve como lo que imagina.







Es muy de alabar cómo consigue Sunao Katabuchi que te adentres en la historia. El ritmo de la película es el que precisamente lo consigue, aquí las prisas no son buenas y el resultado es que no se puede negar que todos los personajes, que no son pocos, están bien presentados y definidos, entiendes perfectamente su evolución en una historia siempre marcada por los acontecimientos y que resulta perfectamente comprensible en base a que casi nada ocurre abruptamente. No está al alzance de muchos saber mostrar el retrato de la cotidianeidad de la vida, de los quehaceres diarios y, más aún, la entereza con que se siguen afrontando pese a las adversidades. Pero principalmente es saber mostrar la sutil evolución de la inocencia inicial de Suzu y su forma de ver el mundo, el obligado cambio que se va produciendo en su forma de percibir la realidad lo que verdaderamente lleva al espectador hacia adelante en esta película. Sin tener que llegar a la dureza y el dramatismo mostrado por Takahata en “La tumba de las luciérnagas”, aunque tiene algún momento devastador y necesario, la maestría de Sunao Katabuchi se basa en que, con un certero uso de la elipsis, comprendemos a Suzu y su pensamiento, los momentos de tristeza, desánimo, desesperación y, sobre todo, la entereza del personaje por las cosas que le ocurren y las que tiene que afrontar. El resultado es profundamente conmovedor.




La película está primorosamente dibujada, tanto los escenarios naturales como los interiores de las casas, mostrando cómo eran estas ciudades en aquellos años, también las vestimentas de los personajes y los enseres que utilizaban. Incluso el diseño de los personajes tiene su peculiaridad. Bastante alejado de los estándares actuales del anime y más cercanos, en cierto modo, al estilo de Takahata en “El cuento de la princesa Kaguya”, el diseñador de los mismos, Hidenori Matsubara, no ha querido alejarse demasiado del dibujo de los personajes del manga en que se basa la película, obra de Fumiyo Kōno, autora que nació en Hiroshima. 











Tiene un par de temas musicales sencillamente preciosos.

Kanashikite Yarikirena, interpretado por Kotringo



Aquí en directo


Trailer

 


9/10 - Muy buena


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 Recuerda, amigo lector, que esta reseña está basada única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



martes, 14 de noviembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXV)

Fecha estelar: -305129.2
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Películas reseñadas:

- It (2017)
- The Salvation (2014)
- The Whispering Star (2015)


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It (2017)
Dir.: Andrés Muschietti

Adaptación de parte de una extensa novela escrita por Stephen King allá por los años ochenta, novela que no he leído y, por ahora, no tengo intención de leer. Cuestión de prioridades. Por tanto, esta reseña está centrada en la película como tal, sin comparaciones u opiniones sobre si la adaptación es buena o mala. De todas formas, hoy día es imposible abstraerse sobre los contenidos básicos de la historia o del tono que se le ha querido dar a la misma por culpa, no solo de las redes sociales, sino también de los trailers que básicamente te cuentan la película. No debí haber visto tráiler alguno.

Para empezar, “It”, como película de terror es un timo con todas las letras, como tantos se pueden ver hoy. Recurre a los trucos mil veces vistos y encima se vuelve muy reiterativa con los mismos. Lo peor de todo es que se limita a ruidosos trucos baratos, poco imaginativos y no se esfuerza nada por crear un ambiente mínimamente inquietante o malsano. Vamos a llamarlo “terror frío”, que es como se te queda el gesto ante algo que ni asusta, ni inquieta, ni te importa. Sustos previsibles a más no poder, el propio director los anticipa cuando empieza a mover la cámara de forma distinta. ¡Y con la puñetera música para subrayar el supuesto sobresalto! casi que es para cabrearse. En “Al final de la escalera” una simple pelota botando escaleras abajo desde un altillo, en la soledad y el silencio de una casa, siembra más desasosiego que toda esta película.

Buena parte de la inquietud o el miedo debe venir por la parte de los protagonistas, de la afinidad que consiguen para que te muestres verdaderamente preocupado por lo que les pueda ocurrir. También se falla aquí porque el guion final de esta película es demasiado plano, las etapas de la historia están demasiado acotadas, todo transcurre según los pasos que tienen que ocurrir y, lo peor, se hace un tratamiento demasiado superficial de las obsesiones/neuras/miedos de los protagonistas. Hay demasiados personajes, cada uno requiere su tiempo y el resultado es demasiado ligero y forzado, muy “porque sí”. A lo mejor es una herejía eliminar personajes, es lo que pensarán muchos aficionados a la novela, pero siendo una adaptación de un libro complicado hay que tomar decisiones que hagan el producto viable respecto de lo que se pretende. Si es que se pretende hacer una película de terror, porque tal vez la pretensión era hacer una película respetuosa con la novela y, además del asunto del terror, que también se adentre en los vericuetos de la amistad de una serie de adolescentes hostigados por muy diversos motivos. Pero sí éste es el caso, abarcar demasiado solo consigue que mi empatía por los personajes sea prácticamente nula por la poca profundidad que consigue.
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Parece ser que la idea inicial era que Cary Joji Fukunaga se hiciera cargo de la dirección de la película pero que sus pretensiones o ideas sobre la misma no gustaron a la productora. Pues se me antoja un gran error. Fukunaga ya mostró su valía en la primera temporada de "True Detective" donde trabajó conjuntamente con Nic Pizzolatto. Sin embargo de este dúo parece que el bueno de verdad era Fukunaga porque la segunda temporada de la serie, en la que ya no participa, tiene un bajón considerable. Y no me negarán que el ambiente malsano que hay en esta primera temporada de "True Detective" sí que es palpable e inquietante. Justamente lo que le falta a “It”. Posteriormente vino la muy notable “Beasts of No Nation” (2015) donde Fukunaga demostró lo buen director que es. Se me antoja que el error en “It” ha sido no dejarle hacer….

…. O no, porque lo que importa es la pasta y la película ha tenido recaudaciones estratosféricas. Y si el público responde…, pues más de lo mismo.

4/10 - Regular



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The salvation (2014)
Dir. Kristian Levring

Pues sí, un western producido en Dinamarca, rodado en Sudáfrica y dirigido por uno de los miembros firmantes del manifiesto Dogma… ¿Qué podría salir mal?

Pues la verdad es que el resultado es más que estimable, vamos que es una buena película. Pero claro aquí el señor Levring deja a un lado el insufrible movimiento Dogma y se centra en rodar una película “al modo tradicional”. No es que tenga una historia original, es la típica historia de venganza con malvado arquetípico muy trillada, que es presentada y filmada aquí con claras referencias al cine de Clint Eastwood, especialmente a “El fuera de la ley” (1976) y a “Infierno de cobardes” (1972), y también por extensión al cine de Sergio Leone.

No se encuentran las bondades de la película en la historia, tampoco en el pétreo rostro de Mads Mikkelsen. La película solo dura 90 minutos y tiene un buen ritmo, pronto ventila el asunto de exponer los motivos del protagonista y la situación de la población. Es un punto a favor no tener que alargar la película a más allá de las dos horas que es lo que se suele hacer. Kristian Levring se apoya en cuatro frases y cuenta mucho con la imagen para que el espectador sepa o se haga una composición de lo que les ha ocurrido a los personajes sin necesidad, por tanto, de tener que explicarlo todo. Incluso la violenta forma de actuar del “dueño del lugar” (Jeffrey Dean Morgan) y sus secuaces está bien definida con dos palabras y un par de rayas en los pantalones. De todas formas es por donde flojea la película, no por el actor, sino por el personaje, todo un cliché sobre todo las primeras escenas de su presentación.

Por otro lado está la fotografía de paisajes, sobre todo las escenas nocturnas a la luz de la luna, me parecen perfectas. No es la noche como estamos acostumbrados a verla en la vida real, casi parece noche americana, pero los amplios espacios filmados así, con tonos fríos y contrastados con la calidez de las luces en las casas hacen que la película visualmente sea muy buena.

Y por otro lado está Eva Green. Su papel no tiene palabra alguna, pero su potente presencia y su sola mirada bastan para componer el mejor personaje de la película.

7/10 - Buena





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The Whispering Star (2015)
Dir. Sion Sono

Infumable oiga, infumable película de Sion Sono. Hay momentos en que pensaba que me había metido otra vez en alguna de las insoportables películas de Tarkovski, vamos como si me hubiera perdido otra vez en Stalker (1979).

Pero, ¿cómo llega uno a estas películas? La crítica, la crítica tiene casi toda la culpa. Pero este pestiño también tiene una sinopsis que es ciertamente atrayente de por sí. Veamos:

Yoko (Megumi Kagurazaka) es una androide que tiene como misión recorrer el espacio para entregarle los paquetes que se envían los pocos humanos sobrevivientes que se encuentran desparramados en diferentes planetas. Viaja sola en su nave espacial con forma de casa tradicional japonesa en la que de vez en cuando interactúa con el ordenador de la nave. Los viajes entre los diferentes planetas son verdaderamente largos, duran años.

Lo de que los viajes duran años es algo que se dice en la película, pero también es lo que me parece que dura este invento. Vale. No esperemos ver, en cualquier caso, un diseño de producción acorde a lo que se nos está contando en la sinopsis, a una película de ciencia ficción. No es el caso. Desde luego Sion Sono acierta en mostar la rutinarias y repetitivas tareas, día a día, semana a semana, año a año de una androide que, al comportarse como tal, muestra una expresividad muy justa. Vamos que el aburrimiento en la nave está asegurado y perfectamente transmitido a través de la pantalla al que está viendo esto. Pero bueno, las buenas críticas siempre dirán de la maestría en los encuadres, la alegoría de lo que estamos viendo respecto de la humanidad y cosas de ese estilo. Y no digamos lo moderno que es rodar en blanco y negro con filtro sepia que aporta por lo visto un plus de gafapatismo a todo, sumado también a la poesía de colocar algun que otro plano en color a través de una ventana. ¡Por Dios pura poesía!

Claro que la alegoría continua cuando la androide baja a los planetas a hacer sus entregas. Rodada en las zonas abandonadas de Fukushima por el accidente nuclear provocado por el maremoto, Sion Sono nos muestra la desolación real del paisaje y lo encajamos en la película con la humanidad en extinción esparcida por planetas,... no hace falta decir más. Y mientras, la androide anda y anda por estos lugares para entregar su paquete, con parsimonia anda y anda. Si tiene que ir de A a B y son 250 metros no importa, veremos el recorrido completo...., y el paisaje urbano fantasmal y deshabitado,.... por aquí es por donde pensaba que me había perdido otra vez en Stalker.

Insoportable oiga. Pero bueno, admito que soy persona de mente simple y que no se hizo la excelencia para mi obtusas entendederas.

2/10 - Mala







Nº de películas reseñadas en el blog: 336

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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



martes, 7 de noviembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXIV)

Fecha estelar: -305149.4
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Películas reseñadas:

- La torre oscura (2017)
- Mu ji zhe (Who Killed Cock Robin, 2017)
- Phantasma II (1988)



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La torre oscura (2017)
Dir. Nikolaj Arcel

Una película a la que han dado palos hasta en el cielo de la boca. Eso sí, el 90% de las malas críticas son gente que se ha leído las novelas de Stephen King y sienten indignación por la calidad de la adaptación/secuela-de-las-novelas/precuela-de-algo-por-venir. No dudo que Stephen King tenga muchísimos seguidores, los tiene. También hay mucho postureo, como ocurre en películas de superhéroes, que parece que todo el mundo se ha leído los comics.

Vista "La torre oscura" desde el punto de vista de alguien que no conoce nada, absolutamente nada, de la trama de las novelas (de Stephen King me habré leído dos novelas mal contadas, lo siento), la película resulta un entretenimiento interesante, una historia más de mundos paralelos más o menos bien llevada. La principal virtud de la película es su ritmo, no aburre para nada en base a que solo dura 88 minutos efectivos. Nada que ver con las más de dos horas que necesitan la mayoría de películas hoy día para contar algo porque es necesario dar todo bien mascadito, como si fuéramos o fuésemos tontos.

Bien de efectos visuales, buenos paisajes, Matthew Mcconaughey bastante desaprovechado, Idris Elba bien, como siempre, y una historia entretenida, una aventura fantástica entre mundos paralelos como tantas se han visto. En este sentido es película que cumple su función. Si sus pretensiones eran otras, me temo que han sido finiquitadas por las malas críticas y la modesta recaudación (no ha llegado a doblar lo presupestado).

6/10 - Interesante



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Mu ji zhe (Who Killed Cock Robin, 2017)
Dir. Wei-Hao Cheng

Por lo visto, el título en inglés hace referencia a canción infantil inglesa con la que se puede relacionar porque diferentes personas que presencian un delito tienen diferentes versiones porque tienen intereses en el mismo. Pero sobre esto ya tenemos la obra maestra de Kurosawa, Rashōmon (1950).

Esta película taiwanesa con apariencia de thriller resulta interesante al principio cuando un periodista decide investigar un acciente de tráfico que presenció hace diez años. Entre medias de todo el periplo del protagonista se recurrirá al flashback continuado del accidente, de otros hechos posteriores e incluso de cosas que acabamos de ver hace pocos minutos, pero todos ellos bajo el punto de vista de diferentes personas. Y encima algunas mienten o cuentan la historia interesadamente. Al final la película resulta agotadora, muy cansina con tanta vuelta de tuerca.

Este problema se da en muchas películas asiáticas, sobre todo coreanas. Ésta no es coreana pero también adolece de estirar tanto la historia a base de cambios de versión, de esconder información interesadamente, que pronto le ves venir las intenciones y la incredulidad te puede a la espera de que llegue el giro redifinitivo.

Lo que no se puede negar es que está bien rodada y tiene un ritmo que no para para las dos horas que dura. Un poco gore también es.

5/10 - Pasable



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Phantasma II (1988)
Dir. Don Coscarelli

Casi nueve años después del estreno de Phantasma, vuelve Don Coscarelli con el hombre alto y sus enanos para básicamente contar lo mismo que en la primera pero con más dinero y más sosería. Ciertamente, poca novedad se aporta a lo que se pudo ver en la película de 1979, una película que ha envejecido tremendamente mal, circunstancia que se puede pasar por alto porque se hizo con cuatro duros. Esta continuación, con más presupuesto, solo se regodea en lo ya visto lo cual va en detrimento del factor sorpresa, que ya sabes por donde va la historia. Bueno, me refiero a la historia en general porque encontrar sentido a lo que los protagonistas hacen o hacia dónde van y vienen es harina de otro costal. Por cierto, el nivel actoral de todos sigue siendo pésimo, y ello a pesar de haber cambiado la cara al protagonista.

En un cementerio, una casita de laberínticos pasillos interminables, con innumerables y amplias estancias para que nuestro héroe las pueda recorrer en semioscuridad con un casco de soldador, todo muy lógico y normal. Los demás también recorren los pasillos, que cada uno va a su bola. Al menos el dinero está bien empleado en mejorar el maquillaje y el gore pero poco más. Las ganas de saber más sobre ese sub-mundo paralelo siguen igual, aquí no se avanza nada.

Hay películas que es mejor no retomar, películas de videoclub ochentero de buen recuerdo que se vienen abajo cuando las revisitas. Pero bueno, las andanzas del hombre alto siguen en tres películas más, bastante peores incluso pero, aunque solo sea por una cuestión de “completismo”, habrá que seguir con ellas un día de estos.

3/10 - Floja








Nº de películas reseñadas en el blog: 333

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miércoles, 1 de noviembre de 2017

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXXXIII)

Fecha estelar: -305165.8
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Películas reseñadas:

- Air Doll (2009)
- La guerra del planeta de los simios (2017)
- El otro guardaespaldas (2017) 



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Air Doll (2009)
Dir.: Hirokazu Koreeda

Últimamente pocas son las ocasiones en las que el director japonés Hirokazu Koreeda se ha salido del camino del llamado cine familiar. Más bien del cine sobre familias desestructuradas y de la crítica a la sociedad japonesa actual. En lo que va de siglo casi que "Air Doll" ha sido el único caso a la espera de poder ver su acercamiento al thriller en su última película "El tercer asesinato".

En Air Doll no tenemos un drama familiar pero la crítica social y su retrato sí que esta presente en este devastador cuento sobre la soledad urbana y la indiferencia entre nosotros contado a través de la fábula de una muñeca hinchable de tamaño natural que de repente cobra vida al adquirir un corazón. Nozomi, que es como se llama la muñeca, intenta comprender el significado de lo que es "ser humano" y mientras se relaciona con una serie de personajes que viven en un barrio humilde de la ciudad de Tokio. Pocas palabras utiliza Koreeda para mostrar la soledad de todos estos personajes, simplemente plantea escenas de su cotidianeidad y deja que la cámara se mueva lentamente mostrando lo que hacen, ninguno sonrie. Nozomi casi no interviene en estas escenas, son como intermedios que hace la película mientras ella busca el significado de ser humano. No se me antoja este film como comedia dramática que es como se suele catalogar. Tal vez influya el estado de ánimo pero es película que inspira mucha tristeza y melancolía. El cine de Koreeda tiene esto, tiene la maestría de conseguir transmitir sentimientos sin mostrar más que la cotidianeidad. Y por eso su cine, pese a la peculiaridades de la sociedad japonesa, es perfectamente entendible en todo el mundo. Lo que nos retrata Koreeda ocurre en todas partes y de una manera u otra lo hemos vivido todos. No hay mejor forma de enseñar la real indiferencia que mostramos unos con otros que la escena en la que el dueño de Nozomi, Hideo, entra en el videoclub a alquilar una película; Nozomi sorprendida no quiere que la vea, pero es que Hideo no hace ni el esfuerzo de mirarla directamente a los ojos, como no miraría a cualquier dependiente de cualquier tienda mientras está pagando.

La película está escrita por el propio Koreeda, algo habitual por otra parte en su cine, aunque esta vez está basada en un manga de Yoshiie Gōda. Desde luego no es película que te deje indiferente, sobre todo por lo arriesgado de la apuesta. Comete el error de volverse algo repetitiva, Koreeda se toma demasiado tiempo hasta que decide que hay que darle un final a la búsqueda de Nozomi. Por cierto, un gran trabajo de la actriz surcoreana Bae Doo-na.


7/10 - Buena


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La guerra del planeta de los simios (2017)
Dir.: Matt Reeves

Dejando a un lado que esta película es a nivel de efectos especiales impecable, como ocurre siempre que Joe Letteri está de por medio; dejando a un lado que a Andy Serkis le deberían reconocer ya su trabajo interpretativo; dejando a un lado que Michael Giacchino me ha parecido especialmente inspirado; y dejando finalmente a un lado que la fotografía es por momentos excelente (las imágenes de simios en sus cabalgaduras por la playa con la marea baja son impresionantes), esta tercera entrega de la saga pasa por ser la mejor de las tres a pesar de un par de detalles relacionados con ciertas decisiones de guion.

Al menos Matt Reeves ha tenido los santos coj...., de parar, pausar, una película que en su título tiene la palabra "guerra". No ha convertido la película en un pim pam pum de acción sin lógica y ha decidido profundizar en personajes para dar sentido a lo que hacen, una película que gira en torno al odio y la venganza. Quizás abuse de las referencias a la película de Coppola, pero no molestan más allá de las limitaciones a la hora de copiar a Marlon Brando que muestra Woody Harrelson. No es, por otra parte, la única referencia a otras películas, que hay incluso un momento "King-Kong"
Aparte, la película debe cerrar la trilogía (¿?) con un acercamiento a la situación de primera película clásica y, la verdad, es que lo hace más o menos satisfactoriamente. Es por aquí por donde se ven algunas pegas. La primera es tantas explicaciones entre el coronel y el prisionero, del primero hacia el segundo, que se ve claramente que lo que se hace es ventilar el asunto de la pérdida del habla pero que no se ve a cuenta de qué tiene que explicar esto el captor al prisionero. Luego tenemos al típico humano que tiene que cometer la tontería de turno de la que depende que todo un plan salga bien o el sinsentido de lo que están haciendo los humanos en su asentamiento…, detalles de un guion poco trabajado y que rebajan el resultado de una película que hasta su último tercio iba por el camino de ser muy, muy buena. Tampoco me ha parecido un acierto el asunto de que esta película casi también tiene su propio Jar Jar.

En cualquier caso, una trilogía que sin hacer tanto ruido ha mantenido el nivel en sus tres entregas y ha resultado bastante buena. Y esta tercera película a pesar de sus pegas, la mejor de las tres.
Ya solo falta que pase el tiempo y que el coronel Taylor se estrelle en el lago …. ¿o no?

7/10 - Buena


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El otro guardaespaldas (2017)
Dir. Patrick Hughes

Todavía me estoy preguntando cómo es posible que haya podido terminar de ver esta cosa. Consciente de que estaba viendo una basura infecta, solo la lejanía del mando a distancia, inalcanzable porque el sofá me estaba engullendo, ha sido el motivo de que llegara hasta el final de la película. Mi eterna pereza siempre me ha dado la fortaleza suficiente ante cualquier tortura.

No tiene ni una sola gracia que se pueda recordar, la acción no tiene sentido alguno, mal montada y con fallos. La gente aparece por cualquier sitio como por arte de bilibirloque. Salma Hayek que solo está para un par de contoneos mientras hace de choni mexicana y Gary Oldman que pasa por allí para cobrar el cheque. Mientras corren, los dos protagonistas no paran de hablar y hablar, sobre todo Samuel L. Jackson. Pero te importa una mier.. todo lo que dicen, que se supone que debe ser entre gracioso y arquetítpico, que es una comedia de acción.

Mala a rabiar, con avaricia.
2/10 - Mala









Nº de películas reseñadas en el blog: 330

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